viernes, 31 de octubre de 2014

TIEM-POST-MODERNOS RECOMIENDA: GUARDIANES DE LA NOCHE (NOCHNOY DOZOR)




Het

Desde tiempos ancestrales ha habido una batalla entre la luz y la oscuridad, Anton pertenece a los guardianes encargados de defender la luz, un equipo encargado de mantener a raya a las fuerzas de la oscuridad, que van desde brujas hasta vampiros. Es similar a las franquicias de Inframundo y Blade, pero toma lugar en Moscú, y la dirección de Timur Bekmambetov logra darle una estética diferente a estas, y es visualmente sorprendente, Bekmambetov logra con un presupuesto restringido una de las películas más estilizadas al momento de su estreno, y permanece visualmente impactante, aunque el tiempo no ha sido muy bueno con ella.



La trama se siente fraccionada, en especial en los primeros dos actos, esto debido principalmente a que se pretendía que fuera una serie de televisión, por lo que tiene unos elementos que son introducidos, pero que nunca son desarrollados. Por su parte, el tercer acto es genial, y el clímax es bastante bueno. Guardianes de la Noche es en esencia un relato de perdón y redención, la eterna lucha del bien contra el mal, pero con un twist, ya que ni los buenos son completamente buenos, ni los malos son del todo malos.
Pero es un su atmósfera donde la película en realidad brilla, la paleta de colores es oscura todo el tiempo, pero no se siente privada de color, la oscuridad brilla de cierta manera, y los colores son vibrantes, la mayor parte del tiempo es de noche y la luz se ve pálida, las sombras se alargan, de tal forma que el espectador nunca sabe que habrá oculto en la oscuridad de la fría noche de Moscú. La dirección de arte es excéntrica y escalofriante, algo así como un Tim Burton más oscuro y retorcido. Tiene su propia ficción, su propia mitología, y opera bajo sus propias reglas, aunque a veces no tiene mucho sentido, pero es bueno ver a una película que se desvíe de los convencionalismos.
Por su parte, la película si tiene una buena dosis de sustos y suspenso, en especial en la toma inicial y en una escena donde Anton confronta a una pareja de unos seres tipo vampiros que pueden desaparecer. También es bastante sangrienta, la gente sangra por cualquier motivo y en exceso, pero nunca a los niveles de una franquicia tipo Saw. Y el final es satisfactorio, logra cerrar la trama sin en realidad concluirla, y hay un discurso en sus últimos minutos que es muy bueno y va a resonar con algunos de ustedes.



El elenco, compuesto por actores rusos es sólido, y muchos de ellos han dado el salto a Hollywood, como Konstantin Khabenski, quien interpreta a Anton y que ha aparecido en películas como Inglorious Basterds de Tarantino. Sus actuaciones son atinadas, pero en una película de excesos como esta, uno que otro sobreactúan.


En conclusión, Guardianes de la Noche es una muy buena película, ideal para la época. Es atmosférica, y a momentos escalofriantes, y aunque a ratos se sienta fraccionada, cuenta una buena historia, muy básica, pero tiene suficiente estilo y rarezas para compensar sus deficiencias. Y si quieren salirse de la básica rutina de películas de Halloween, esta es una excelente opción, y es por eso que es la recomendación de este fin de semana.

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JOHN WICK (OTR DÍA PARA MATAR) –RESEÑA-






Yeah, I'm thinking I'm back!

El pasado jueves se estrenó la más reciente película de acción John Wick (en México tuvieron a bien ponerle el horrible e híper genérico nombre de “Otro día para matar”), y no dejen que el horrible título los distraiga, la película es bastante entretenida.

Keanu Reeves protagoniza como John Wick, un asesino a sueldo retirado que acaba de perder a su esposa. Ella, a sabiendas de que John necesitaría compañía después d su muerte, le deja un cachorro, desafortunadamente para John, un día se cruza con Ioseff, el hijo de un mafioso ruso quien le quiere comprar su auto, John rechaza la oferta, y es visitado en la noche por Ioseff y pandilla, le roban el carro, le dan una paliza, y lo peor, matan a su perro.
De aquí en adelante la película se centra en John y su búsqueda de venganza. La trama suena genérica y lo es, pero afortunadamente la película no.



El mejor aspecto de John Wick, es que cuenta con una mitología preestablecida, separándola de la gran mayoría de películas de acción de tramas similares. En el mundo de John, los asesinos a sueldo, mafiosos y criminales en general, se reúnen en un hotel llamada The Continental¸ aquí no se admite llevar a cabo negocios (matar gente), y sólo se puede pagar en monedas de oro, estos aspectos le dan vida a la película.
La dirección a cargo de los primerizos David Leitch y Chad Stahelski es otro de los puntos fuertes de la película, demuestran demasiada confianza detrás de la cámara, y hay una escena que toma un lugar en un club llamado The Red Circle, que es simplemente impactante, la cámara vuela con fluidez, las coreografías son impresionantes e impecablemente ejecutadas y las colores son vibrantes. Y lo mejor de todo es que podemos entender lo que está pasando gracias al uso de cámara fija y no la infame shaky cam, que desafortunadamente se ha vuelto el estándar en los filmes de acción.

El elenco, compuesto por actores del calibre de Willem Dafoe, Ian McShane, entre otros, también es acertado, todos saben el tipo de película que están haciendo. Michael Nyqvist (el antagonista en Misión Imposible IV) destaca del resto como el padre de Iosef, quien entrega sus líneas con dramatismo poético, cuando no está haciendo chistes. Y Reeves se entrega completamente en el papel de John, entrega líneas de forma efectiva que simplemente se escucharían ridículas viniendo de alguien más, y además, es un rol bastante físico, y Reeves ejecuta las secuencias de acción con mucha energía, que ayudan a que la película se mueva a un ritmo muy acelerado.

También cabe destacar la producción de sonido que es impecable, desde el rugido del motor de un mustang, hasta los tiros y golpes, todo se escucha sólido, limpio, e impactante. Y el soundrack también es bastante bueno, y acompaña de manera perfecta a los trancazos y disparos que se ven en pantalla.

Por su parte, el tercer acto es bastante flojo, no es que sea malo, pero no mantiene el ritmo y emoción de los primeros dos. Y la edición es algo extraña en algunos puntos, causando algo de confusión. Y Alfie Allen (Theon Greyjoy de Games of Thrones) quien interpreta a Iosef, es algo inconsistente, su papel se resume en portarse mal e ir a esconderse detrás de su papá cuando las consecuencias llegan.



En nota aparte, la película es clasificación “C” en México, esto es para mayores de 18 años en adelante, lo cual considero es injusto, no es más violenta que Drive, o Se busca (ambas clasificación B-15 en su estreno), vaya hasta Perdida es más impactante y también consiguió una clasificación B-15, esto sólo demuestra la inconsistencia e hipocresía de la RTC (organismo que clasifica las películas en México), quien condena a algunas películas a tener una mala taquilla por el simple hecho de clasificarlas como C, la única clasificación restrictiva que tenemos (lo mismo pasó con Kick Ass y su secuela). Sí hay sangre, pero no tiene gore, no tiene desnudos, ni sexo explícito, la única razón por la que fue clasificada para mayores de edad es porqué a la RTC se le dio la gana, es injusto y arbitrario. Es una lástima porque México es un gran mercado (en cuanto a cine se refiere), pero divago.

En pocas palabras, John Wick mantiene un ritmo vertiginoso a lo largo de sus noventa y tantos minutos de duración, si bien su trama es genérica y predecible, se siente fresca y viva gracias a una dirección firme, un ritmo vertiginoso y un Keanu Reeves en el mejor papel que ha hecho en mucho tiempo sobresale del resto de películas de acción. Es el tipo de películas que ves cuando llegas a tu casa después de un largo día de trabajo, no te quiere poner a pensar, pero en ningún momento sentirás tu inteligencia insultada, lo único que quiere hacer es entretenerte y lo logra con creces. La mejor película de acción del año. 
*** 1/2 TRES ESTRELLAS Y MEDIA

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Y no se pierdan la nueva sección Relatos de Vespiria, una serie de relatos cortos publicados de forma quincenal, he aquí el primero:http://tiempostmoderno.blogspot.mx/


RELATOS DE VESPIRIA







Buenas tardes a todos, es mi genuino honor presentarles la nueva dinámica de Tiem-post-modernos, "Relatos de Vespiria", estos son breves relatos publicados quincenalmente, cada uno cuenta una historia propia, pero todos pertenecen a una historia más grande y son parte del mismo universo, todas las obras son de mi autoría y son originales, sin más espero que disfruten del primer relato: "Día de muertos" y recuerden sintonizar cada quincena.


DÍA DE MUERTOS
POR ISAÍAS LEMUS ALDANA


            Era la mañana del 2 de noviembre cuando los detectives entraron al departamento, completamente blanco, el piso, el techo, las paredes, las puertas, todo. Un hedor a café y cigarro saturaba el pequeño apartamento.

Los detectives caminaron lentamente por el confinado espacio, al fondo se encontraba una cocineta, a la derecha una sala pequeña y un baño.

A la izquierda, se encontraba la habitación principal, resguardada por una puerta de madera, teñida de blanco (se podían apreciar los brochazos), la perilla, color bronce y redonda reflejó la mano que se disponía a girarla.

Una ligera brisa matutina les rozó el rostro al ingresar a la habitación, la luz del día entraba  por la ventana, las cortinas, blancas también, danzaban ligeramente al viento, se encontraba abierta, y el ruido del tráfico matutino comenzaba a hacerse presente, una sinfonía de claxons y llantas rechinando al frenar, el son de cada mañana. En el techo, un ventilador verde oscilaba, se veía viejo y desgastado, cómo si estuviera a punto de caerse.

Una pequeña mesa, verde también, se encontraba opuesta a la cama, un diminuto espejo, cuarteado como las vertientes de un río, descansaba en la pared, encima de la mesa. Sobre ella, un elaborado altar de muertos yacía, morado, lleno de ornamentos, la flor de cempasúchil circundaba la base y el contorno superior, se veía vieja y marchita, como si llevara mucho tiempo ahí. Y en el centro, una foto en blanco y negro, el rostro de una mujer, aparentemente vestida de negro, con unos ojos oscuros, grandes, redondos, perfectos, como dos perlas hechas de la noche misma. La mujer no sonreía curiosamente, miraba fijamente, como si estuviera viendo más allá de la persona que tomó la foto, parecía ver hacia dentro del cuarto dónde se encontraban los detectives.

Los rostros de los detectives se llenaron de horror cuando su mirada llegó a la cama. Una mujer vestida de negro, con el rostro pintado de catrina, mirando hacia la ventana, los ojos bien abiertos, fijos, sin vida. Tenía múltiples heridas en el vientre, y una más visible en el cuello, las sábanas blancas manchadas de sangre. Dos chorros de sangre en forma de alas de ángel salpicaban la pared de la cabecera, y en el centro de ésta, un crucifijo sencillo de madera, ni una gota le había tocado.

Con pasos sigilosos se aproximó al cuerpo de la víctima, de algo se había percatado. La joven tenía el brazo derecho extendido, con la mano cerrada. Colocó sobre su mano derecha un guante de plástico, no quería contaminar la escena, con delicadeza y firmeza le extendió los dedos de las manos a la joven, en su interior reposaba una pequeña calavera de azúcar, mirando en dirección de la víctima.

La tomó con sus dedos índice y pulgar y la analizó contra el sol, los granos de azúcar resplandecieron al entrar en contacto con la luz, trazos azules y amarillos le adornaban el cráneo, una flor naranja se extendía por la parte superior del mismo, y en la frente con letras negras una palabra: Vespiria.

“¡Razo!” exclamó su compañero, “¿Qué es? ¿Tenemos una pista?”, “Probablemente” respondió Razo, “¿De casualidad has escuchado de la palabra vespiria?” “No” respondió Apodaca, su compañero. Razo, de su bolsillo sacó una bolsa de evidencia y empaquetó la calavera.

“Desgraciado” dijo Apodaca, “¿Qué?” preguntó Razo en perplejidad. “Dije que qué desgraciado, su novio, el que la mató…” una mirada de confusión por parte de Razo, “Es obvio que se trata de un crimen pasional, no parece estar casada por lo que digo que fue su novio, no parece faltar nada, por lo que dudo que haya sido un robo, ¿no crees?”, “No estoy de acuerdo contigo” contestó Razo con voz seca, y prosiguió “bueno, dudo que haya sido un robo, pero tampoco creo que haya sido un crimen pasional, bueno no de la manera a la que te refieres”, el confundido ahora era Apodaca, “el homicidio… simplemente es muy dramático, casi teatral, una puesta en escena, pero ¿Para quién?”.

La policía irrumpió en la habitación, “Detectives”, los saludó el Sargento Rodríguez con su sombrero, “hay un gran público ahí afuera”, “Sólo, mantenlos fuera del apartamento Rodríguez”, dijo Apodaca en tono grosero y altanero “¿Y a ti que te puso de malas?” preguntó Rodríguez, “No lo sé sargento, ¿quizá la joven destripada como ganado que esta frente a ti?” “¿Y porqué te desquitas conmigo?” “Sólo has tu trabajo, Rodríguez” instruyó Razo. Rodríguez asintió con la cabeza, y se dirigió a la puerta y a grito de insultos, él y sus hombres detuvieron a la audiencia que se había congregado afuera, que con sus celulares intentaba registrar el siniestro acontecimiento.

“Vente, vamos a registrar el resto del departamento”, dijo Apodaca a Razo, quien asintió con la cabeza y lo acompañó a seguir investigando, pero no se podía sacar de su cabeza la mirada de la joven, ni la calavera de azúcar, “Vespiria”, la palabra flotaba por su mente, algo en su interior le advertía: esto era sólo el inicio.


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martes, 28 de octubre de 2014

GOTHAM: VIPER –RESEÑA- T.V.



Breath me

Nota: contiene spoilers

La guerra entre mafias está por comenzar con Maroni preparando su nueva jugada, mientras Fish Mooney continúa entrenando a su “arma perfecta”.

Por su parte, hay una nueva droga en la ciudad conocida como viper, que produce en sus consumidores euforia y fuerza sobre humana (suena familiar), seguido de la muerte. La droga está siendo regalada por un hombre con una oreja dañada.



El “villano” de esta semana resultó siendo más disfrutable que el de la semana pasada, tuvimos chance de entender porqué empezó a regalar las drogas y su plan era razonable. El show nos sigue mostrando como Gotham empuja a la gente a situaciones extremas, por lo que es entendible que en un futuro se aparezca un hombre disfrazado de murciélago para combatir el crimen.
También, la relación entre Bullock y Gordon tuvo más desarrollo, y podemos ver que ya se llevan mejor, claro cada uno tiene sus métodos, y Bullock prefiere mejor terminarse su hamburguesa que atender el llamado de una alarma, pero se sienten más unidos, y Bullock preguntando por la vida privada de Gordon fue un buen toque.

Por su parte, en este episodio pudimos ver mucho más de Bruce y Alfred mientras investigan las irregularidades en el acuerdo de Arkham y el posible involucramiento de las Empresas Wayne en negocios con criminales.
Por otro lado, Cobblepot empieza a acostumbrarse a su apodo de pingüino y en un plan arriesgado decide por fin revelarle a Maroni que solía trabajar para Fish Mooney, al final todo le resultó bien, pero no para Gordon quien ahora parece estar bajo la mira de Maroni.



Viper fue otro sólido episodio de Gotham con un villano más interesante que el del episodio pasado y el final fue bastante bueno, con “el arma” de Fish Mooney finalmente puesta en acción, con el mismísimo Falcone.


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domingo, 26 de octubre de 2014

GONE GIRL (PERDIDA) -ANÁLISIS-



Nota: Contiene Spoilers, incluyendo el final de la película. Si no la han visto, pueden leer mi crítica libre de spoilers aquí http://tiempostmoderno.blogspot.mx/2014/10/gone-girl-perdida-critica.html

Como comentaba en mi crítica, muchos de los placeres de Gone girl provienen de los muchos twists que la película tiene.
El primer twist es que Amy desaparece voluntariamente, Nick no tuvo nada que ver, hace mucho tiempo que lo había planeado, de hecho el diario que escuchamos estaba diseñado para inculpar a su esposo de homicidio y que recibiera la pena de muerte.

Es aquí donde vemos una de las genialidades de la película, el diario nos manipula de la forma en la que los medios manipulaban la imagen de Nick, es bastante meta. Pero esa no es la primera vez que la película juega con la imagen que tenemos de los Dunne, Amy al principio puntualiza lo “villanezca” que es la sonrisa de Nick (en especial por su barbilla), desde ahí nos están planteando la idea de que Nick puede ser malvado, pudimos no haberlo notado, pero una vez visto es imposible no tenerlo en cuenta. También la imagen de Amy evoluciona a lo largo de la película, y ésta a su vez evoluciona con Amy, quien al principio se nos presenta como una mujer llena de inocencia, va cambiando frente a nosotros, incluso después de la revelación de que había fabricado el diario para vengarse de su esposo, aún ahí prevalece un sentido de retribución, seguimos apoyándola; hasta que demuestra que en realidad es una psicópata, y la historia y la película cambian de nuevo. Es genial.
Ahora bien, Nick tampoco es un marido ejemplar, nos enteramos que le era infiel a Amy con una de sus estudiantes que luego le trae graves repercusiones a Nick.



No voy a profundizar en el resto de los twists, porque bien podría terminar contándoles la película completa, que no sirve de nada si ya la vieron. Más bien, centraré mi análisis en el final y en la misma Amy, y los múltiples personajes que ha creado para encontrar su versión retorcida de lo que ella entiende por amor.

Como comentaba en el párrafo anterior, al ver la película me di cuenta de que no sólo hay una Amy (lo que vuelve más genial la actuación de Rosamund Pike), sino que en realidad hay tres (puede haber hasta cinco, dependiendo de cómo cuenten).

La primera es amazing Amy, el personaje creado por sus padres, que bien podría representar la imagen que los padres crean a los demás de sus hijos, una versión superior de la verdadera Amy. Amazing Amy logra todo lo que la normal Amy nunca pudo, es una versión ideal de una persona, similar a cómo los padres tienden a resaltar los logros de sus hijos y a disminuir sus defectos.

Luego tenemos a la que llamaré cool Amy, que es la imagen que Amy presenta cuando quiere ligar. Esta Amy puede ser varias, es más bien la Amy que se presenta ante sus pretendientes, dependiendo de qué es lo que quieran, con Desi era culta y sofisticada, por eso, cuando Amy se refugia en la casa de Desi, éste insiste en que se vista como antes, le compra productos de belleza, ropa, todo para que sea la persona que cree que ama. Desi está obsesionada con ésta imagen de Amy, y si ella no lo hubiera matado muy probablemente la hubiera violado en realidad.
Ahora bien, con Nick era más relajada y cool. Usaba ropa más holgada, y disfrutaba de ver deportes con él.

Por último, tenemos a la verdadera Amy, una psicópata suicida, tiene un calendario con varios post its con la leyenda: kill self? Es una persona tan vacía que lo único que evita que se quite la vida es arruinando la de las demás, en especial la de sus parejas sentimentales. Pero es hasta que ve a Nick en televisión cuando escucha lo ve hablar de ella como si en realidad la amara, que ya no lo quiere ver morir, no es amor lo que la motiva a regresar, ella sabe que todo lo que dijo Nick en televisión eran puras mentiras, pero siente la necesidad de volver con él, y vivir a su lado, sin importar lo miserables que sean. Una visión distorsionada del amor. Una unión enfermiza.



Ahora analicemos el final, donde Amy regresa a su casa, todavía cubierta en la sangre de Desi, con una historia incongruente, pero sólo la detective Rhonda Boney parece darse cuenta de esto, para todos los demás siempre fue la víctima. Nick se salva de la pena de muerte, pero sabe la verdad sobre Amy, tiene miedo de estar con ella, duermen separados, y cierra su puerta con seguro en las noches. Los medios siguen obsesionados con el caso, por lo que les hacen una entrevista a los Dunne, donde Nick planea revelar que Amy es en realidad una psicópata. Amy (ahora embarazada con la descendencia de Nick) lo confronta, Nick le dice que lo único que han hecho durante su matrimonio era pelearse, manipularse y tratar de controlar el uno al otro, Amy responde: “Eso es el matrimonio”, este es el último mensaje de la película (y del material original de Gillian Flynn), ¿cuántos matrimonios no se encuentran en esta situación? Matrimonios no fundados en el amor, sino en una concepción enfermiza de éste, no es que Nick no se haya enamorado de Amy, sino que se enamoró de una versión falsa de Amy, la gente se presenta ante los demás como una persona diferente una persona cool como cool Amy, Nick también se presenta diferente ante Amy de como en realidad es. 

Estas personas en realidad se odian, y ahora van a compartir una vida juntos, van a tener hijos juntos, una relación enfermiza, que lamentablemente no sólo sucede en la ficción, parejas que en realidad ni se soportan se mantienen juntos, por el simple hecho de estar juntos, su vida cambia, su hogar se vuelve un ambiente hostil, ajeno a la persona, y su pareja, parece no más que un triste reflejo, una parodia de la persona que una vez amaron. ¿Cuántos chistes sobre el matrimonio existen?, relatos cómicos de como el matrimonio aparentemente es lo peor que le puede pasar a la persona, como si fuera una esclavitud voluntaria, el hombre se ve atado a su mujer; si la atiende mucho es un mandilón, si no lo hace es un desobligado. Y la mujer, debe atender las necesidades de su marido, pero si atiende demasiado a su marido es una sumisa, si no lo hace, es una mala esposa. Ahí reside la brillantez de la película de Fincher y de la obra de Flynn, y es el reflejar de la forma más extrema posible lo dañados que muchos matrimonios están en realidad. Pocas parejas están conformadas por psicópatas, pero muchas se encuentran en el supuesto de los Dunne, atrapados por una persona enferma, viviendo una vida miserable, sonriendo frente a los demás y diciendo a todos que se aman. Como sucede en la escena final, cuando los Dunne revelan en su entrevista que van a tener un hijo, nos lo están contando a nosotros (la audiencia) también y es imposible no sentir una profunda tristeza y una irónica carcajada.



Y ustedes ¿Qué opinan del final? ¿Están de acuerdo con mi análisis? ¿Qué interpretación tienen ustedes de la película? No olviden dejar sus teorías y su propio análisis en la sección de comentarios.

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THE JUDGE (EL JUEZ) -RESEÑA-




Hank, un prominente abogado en Chicago que se gana la vida defendiendo delincuentes, recibe la noticia de que su madre ha muerto, por lo que regresa a su pueblo natal en Indiana para el funeral. En su visita, su padre, Joseph Palmer (Robert Duvall) un famoso y respetable juez se ve involucrado en el posible asesinato de una persona que se relaciona con su pasado. De esta forma, Hank (Robert Downey Jr.), decide quedarse en lo que resuelve el caso de su padre.

Estos son los lineamientos generales de El Juez, que básicamente es un tearjerker, esto es, una película que “apretando” los botones emocionales adecuados pretende sacarle las de cocodrilo a su audiencia. Generalmente odio este tipo de películas, pero al menos ésta tiene una dirección más honesta y actuaciones sobresalientes (en especial Duvall), que ayudan a que la película se mantenga disfrutable, y a que tenga un verdadero impacto en la audiencia.

Los personajes secundarios no son muy complicados y están plagados de clichés, tenemos a los tres hermanos: Glen el mayor quien tenía un futuro prometedor en el beisbol; Dale Palmer, el hermano menor quien padece de un ligero retraso; y Hank, el de en medio, el rebelde, nunca se llevó bien con su padre. También tenemos a la ex novia Sam (Vera Farmiga), quien todavía siente algo por Hank (obvio). Pero una película depende mucho de su ejecución, y la ejecución en El Juez es algo inconsistente, pero generalmente buena, de hecho, tiene un segundo acto muy sólido, desafortunadamente se desploma para el tercero.


Pero lo que hace que ésta película sea disfrutable son las actuaciones, Robert Duvall es brillante como el titular juez, duro y cariñoso, se siente como una persona real, y su mirada llena de emotividad ayuda a elevar la calidad de muchas escenas. Hay una en particular que toma lugar en un baño (y que no detallaré porque arruinaría parte de la trama), que es simplemente brutal y honesta, Duvall la ejecuta a la perfección.
Downey Jr., también hace un gran trabajo como Hank, en un papel que puede interpretar con facilidad, puede ser arrogante, pero a la vez agradable, gracias a su tremendo carisma.
La película realmente se siente viva cuando se centra en ellos dos, las miradas que intercambian, las discusiones que sostienen. Son el mejor elemento de la película. Hay una interesante trama de perdón y arrepentimiento, pero desafortunadamente no se desarrolla de forma completamente satisfactoria. La película pretende convencernos de que Hank no es una muy buena persona, pero su único defecto parece ser que sólo defiende gente culpable, pero hasta los criminales tienen el derecho a ser defendidos. Esto hace que su crecimiento como personaje no tenga el impacto que debería.



En conclusión, a pesar de una trama llena de clichés y una ejecución irregular, El Juez, no es una mala película, gracias a actuaciones fenomenales y momentos de verdadero impacto emocional, en los que tenemos vistazos de una gran película. Desafortunadamente estos se ven abruptamente interrumpidos por trucos sentimentalistas baratos, es una pena, no los necesitaba.
*** TRES ESTRELLAS            




viernes, 24 de octubre de 2014

LA DICTADURA PERFECTA –RESEÑA-



Caja china

Luis Estrada se ha hecho un nombre por medio de películas de sátira política, desde La Ley de Herodes (que fue toda una revelación en su tiempo por ir abiertamente en contra del PRI), hasta El Infierno. Ahora nos llega su más reciente película La Dictadura Perfecta, que trata sobre la manipulación de la información y la imagen pública por parte de las televisoras (en especial Televisa).
La trama no es complicada, el Presidente de la República Mexicana mete la pata en una reunión con un embajador de Estados Unidos (en una escena hilarante), el Sr. Presidente contacta a la televisora T.V. M.X., quiénes inician una operación llamada “la caja china”, esto básicamente consiste en buscar una noticia, algún escándalo que distraiga la atención del público sobre lo que en realidad está sucediendo, hasta que quede en el olvido.
Para mala suerte del gobernador Carmelo Vargas, el escándalo para tapar el desliz del Presidente, es el suyo: un video dónde se muestra al gober, recibiendo dinero por parte de un narcotraficante conocido como el Mazacote (en una clara referencia al caso Bejarano).
Al ver como el pueblo se le empieza a echar encima, decide contactar a la televisora para “convencerlos” (sobornarlos) de que dejen de agrandar el escándalo, pero termina por contratar sus servicios para que “mejoren su imagen”.

La película hace un buen trabajo al mostrarnos como se puede manipular la opinión pública por medio de la televisión, y en especial los noticieros. Estrada nos demuestra como todos, desde la patrona a la sirvienta, los políticos y hasta los secuestradores, todos vemos lo mismo, las mismas telenovelas malísimas, el mismo noticiero, y ayuda a demostrar el poder que tiene éste medio, en especial en países como México, dónde las opciones son limitadísimas debido a la existencia de monopolios legales.



Las actuaciones, por otro lado, son inconsistentes, Damián Alcázar (actor fetiche de Estrada) interpreta al gobernador Vargas, Alcázar es un gran actor, pero aquí sobreactúa en algunas escenas, convirtiendo en su personaje en una caricatura a ratos, sin embargo, en otras escenas es completamente acertado, y su constante grito de insultos legendarios son motivo de muchas de las risas en La Dictadura Perfecta. Alfonso Herrera conforma la otra parte de la trama como Carlos Rojo, un joven productor de TV MX encargado de mejorar la imagen del gober Vargas, su papel es importantísimo para la trama, pero desafortunadamente es también inconsistente, no es mal actor, pero en unas escenas, particularmente al inicio se siente un tanto acartonado. El resto del elenco es atinado, pero, vale la pena comentar que el único que en realidad decepciona es Arath de la Torre, quien tiene una escena vital y se queda corto. Cosío, por su parte entrega el personaje más empático de la película y su arco narrativo es de los puntos altos de la película. También sobresale Tony Dalton como el jefe de Carlos Rojo, quien sobretodo es un hombre de negocios. Y quizá la más grata sorpresa sea Sergio Mayer como el Presidente, una mezcla de Peña Nieto y Fox, tiene pocos minutos en pantalla y aprovecha cada uno de ellos.

Lo curioso de una película como ésta es que la mayoría del elenco está compuesto por gente que ha sido parte de las telenovelas o que ha trabajado para las televisoras que tanto critica, es chistoso verlos como se burlan de algo de lo que han formado parte por tanto tiempo, como un chiste dentro de otro. 

La película, también es inconsistente, inicio de buena forma, con mucha fluidez y un ritmo acelerado, al ritmo de Rossini, lamentablemente, la película se estanca una vez que la trama es puesta en marcha y hay un buen pedazo de tiempo donde nada interesante está pasando, las risas disminuyen y el drama no incrementa, una vez pasado este bache la película remonta mientras llega a su conclusión.

Y otro de los problemas que tiene la película, es uno con el que cargan todas las películas de Luis Estrada, y es que desprecia tanto a sus personajes que es casi imposible que la audiencia se conecte con ellos, y si no te conectas con los personajes es más difícil que te interese lo que está sucediendo en pantalla. Aquí, este problema se ve disminuido, Estrada al menos siente algo de empatía o compasión por el líder de la oposición (Joaquín Cosío) y Carlos Rojo (Alfonso Herrera).
Además de esto, Estrada siempre ha batallado en darle personalidades, más allá de los símbolos que representan. Nunca ha sido un director sutil, pero la verdad no tengo problema con eso, el problema es que sus personajes en esta película carecen de motivaciones concretas, ¿Por qué el gobernador quiere ser presidente? ¿Qué es lo que mueve a Carlos a seguir con su trabajo mientras las situaciones en las que se ve involucrado se vuelven más y más violentas? Los villanos más interesantes y los más aterradores son aquellos con quienes podemos identificarnos, si podemos ver una parte de nosotros en esta persona despreciable, el personaje se vuelve más efectivo, y más aterrador para la audiencia.

A pesar de estos problemas, la película es disfrutable, es constantemente graciosa (aunque se estanca un poco en su segundo acto), la trama es entretenida, aunque el ritmo al cual se desarrolla se hubiera beneficiado de ser más acelerado. Las actuaciones, a pesar de algunos elementos inconsistentes, son sólidas, la dirección y en especial la elección musical son bastante atinadas. Y si son fans o han disfrutado de las películas de Luis Estrada esta es quizá su más efectiva desde La Ley de Herodes, pero si no disfrutan de su estilo quizá esta no sea la película que los convenza.


Estrada hace un trabajo noble y valiente al crear una película que pretenda crear consciencia sobre las manipulaciones realizadas por las televisoras en México y denunciar el claro mal uso que han hecho con el poder que tienen, en la película mueven gente como piezas de ajedrez, todo lo que aparece en televisión es tomado como verdad irrefutable por parte de la audiencia. Pero el error fundamental que comete Estrada es nunca tomarse el momento para preguntarse: ¿Qué es lo que dice eso de nosotros?


**TRES ESTRELLAS


martes, 21 de octubre de 2014

Gotham: Arkham –reseña- (T.V.)



Nota: contiene spoilers

El plan para renovar el asilo de Arkham fue pieza central en este episodio, mientras Falcone y Maroni peleaban por conseguir la mayoría de votos para que se aprobara su proyecto. Y un asesino de nombre Gladwell empieza a matar a miembros del consejo de ambos bandos (tanto de Falcone como Maroni). Por lo que corresponde a Bullock y Gordon impedir la guerra de la cual se ha hablado tanto tiempo.

Este episodio es una mejora notable sobre el anterior, aunque el inicio fue algo torpe. Gladwell parecía tener todos los elementos para convertirse en un gran villano, tenía un arma cool, una voz grave y siniestra, y tenía buenos diálogos, pero terminó por decepcionar. El episodio nos recordaba lo profesional que era, pero resultó bastante sencillo de encontrar.
Aunque aprecio los guiños que hace el show al universo de Batman, y agradezco que hayan sido reducidos considerablemente desde el piloto (a veces menos es más), uno de los que hubo este episodio fue horrible: el príncipe de los asaltantes en estacionamientos (the Crown prince of parking lot muggers), ¿es en serio?, aunque es una clara referencia a uno de los apodos del Guasón, simplemente no funcionó para mí.

Por su parte, los días de lava platos de Cobblepot llegaron a su fin, debido a que implementó un plan para abrirse una “vacante”. Su plan, aunque ingenioso, tiene algunas fallas, y sería bastante fácil rastrear el robo hacia él, o por lo menos levantar sospechas. Pero cómo se deshizo de los ladrones (por medio de cannoli) y Maroni no parece sospechar, todo parece indicar que el pingüino se salió con la suya.



Otro aspecto que me gustó fue que Barbara se sinceró con Gordon sobre su relación con Montoya, y posiblemente terminando con Jim, después de que él no pudo contarle la verdad sobre Cobblepot, es un buen conflicto, y hay que ver cómo se desarrolla. Gordon parece estar comenzando a arrepentirse por haber dejado a ése pingüino con vida.

Un grave problema del show a la fecha es que llevamos ya cuatro episodios y no hemos tenido mucho desarrollo sobre Bullock, sabemos muy poco de un personaje tan importante para el show y eso debe de ser remediado. Es un personaje interesante y vale la pena pasar más tiempo con él.

La dirección de arte y la producción siguen sorprendiendo con los mejores sets que ha tenido el programa a la fecha. Ya las “audiciones” de Fish Mooney fueron adecuadamente escalofriantes, en especial la de Liza, y la última prueba fue algo perturbadora.

Algo que me gustó fue que nunca supimos en realidad para quien trabajaba Gladwell, todo parece indicar que fue Maroni, aun que bien pudo haber sido Falcone, o ambos. Y tampoco hay que descartar a Fishmooney, ni a Cobblepot, quien fue el mayor beneficiado del acuerdo final.


Aunque el inicio fue algo torpe, y el villano de la semana terminó por decepcionar, Arkham es discutiblemente el mejor episodio del programa a la fecha, y sin lugar a dudas el que más he disfrutado.

sábado, 18 de octubre de 2014

TIEM-POST-MODERNOS RECOMIENDA: SCOTT PILGRIM VS THE WORLD



Not so long ago, in the mysterious land of Toronto Canada…

We are Sex Bob-Omb!” irrumpe Kim Pine detrás de su batería haciendo un conteo con sus baquetas, la banda empieza a tocar, Scott se retuerce en el bajo, Stephen grita enérgicamente por el micrófono, mientras lanza salvajes guitarrazos por los aires; la cámara, a la altura de la cintura, ligeramente se aleja, por lo que parece ser un cuarto sin fin, hasta llegar a un sofá en el otro extremo, donde dos personas observan. Estos son los créditos iniciales de Scott Pilgrim vs The World y preparan al espectador para lo que va a experimentar.

La película es la adaptación del conjunto de novelas gráficas de Bryan Lee O’Malley. Dirigida por el increíblemente talentoso Edgar Wright, sigue las travesías de Scott Pilgrim, un joven canadiense de 22 años, toca el bajo en una banda, y acaba de conocer a la chica de sus sueños (literalmente), la misteriosa Ramona Flowers. La trama es simple, Scott debe luchar por ganarse el corazón de Ramona, pero hay un ligero problema, para salir con ella debe vencer a sus siete exnovios malvados (¿exes?). Pero eso no es todo, G man, un productor de música indie está haciendo una batalla de las bandas y quien gane obtiene un contrato con él para producir música, así es que su banda ve la oportunidad de volverse famosos por fin.

La película es fantástica, visualmente impresionante e hilarante como pocas, Edgar Wright hace lo que Robert Rodriguez hizo con Sin City (salvo el blanco y negro), traslada literalmente el cómic a la pantalla, cuando golpean alguien salen signos de POW!, THUD!, BOOM!, es increíblemente visual (se nota que pasó mucho tiempo en postproducción), en parte manga, en parte cómic, y videojuego, es increíblemente imaginativa, y la única forma en la que la obra de O’Malley pudiera haber sido transportada a la pantalla grande.



También es una de las películas más graciosas que he visto, tanto el diálogo como la comedia física, todo funciona, Michael Cera es perfecto como Scott, y Mary Elizabeth Winstead es a la vez fría y cálida como Ramona, pero es Kieran Culkin quien produce más risas como Wallace Wells, el roomie gay de Scott. Y el resto del joven cast también es atinado, en especial Alison Pill como la sarcástica Kim Pine, Chris Evans como Lucas Lee; y Brie Larson es brillante como la ex novia de Scott, Envy Adams, seductora y malvada. Y muchos otros más, Jason Scwartzman, Brandon Routh, Mark Webber, Anna Kendrik, y la lista continua. Como dato curioso, todo el cast está compuesto por jóvenes, no hay un solo adulto en la película.

La música, es excepcional, en especial las canciones de la banda ficticia Sex Bob-Omb, la banda de Scott y sus amigos. Estas canciones fueron compuestas por nadie otro más que Beck, por lo que decir que son buenas es quedarse corto, a parte son interpretadas por el elenco, esto ayuda a que la banda se sienta genuina. Es la atención a detalles como estos que ayudan a que Scott Pilgrim cobre vibrante vida, pocas veces verán algo igual.

Pero, a pesar de la trama, no crean que es una comedia romántica, está plagada de acción, cada batalla con los exes es visual y estéticamente diferente, impecablemente coreografiadas y elegantemente editadas, la transición entre cortes es fluida, rápida y coherente.

El único “pero” que le puedo poner a la película es que la segunda mitad no es tan ajustada como la primera, esto debido principalmente a que se toma la tarea titánica de adaptar los seis tomos de la saga de Scott Pilgrim en dos horas, por lo que algunos detalles se pierden, pero no impide para nada el disfrute de la película, hubiera estado genial que fueran dos películas de dos horas, pero conseguir el dinero para una segunda parte hubiera estado bastante difícil, en especial por lo mal que le fue un taquilla en Estados Unidos, y probablemente nos hubiéramos quedado con el relato incompleto.

Y puede que algunas personas tengan problemas con el tono de la película, ya que es esencialmente una caricatura, no es realista, no pretende ser realista, alguien puede ser lanzado por los aires, estrellarse en un castillo y caer al suelo sin romperse un solo hueso, pero funciona porque ése es el tono del material fuente, y es el tono de la película, ayuda a que se sienta original, fresca, puede alienar a algunos espectadores, pero de verdad, denle una chance y encontraran una gran historia con mucho corazón, original y única.


Edgar Wright corrió muchos riesgos artísticos al hacer una película como esta, y ha valido la pena, no sólo ha creado una gran película, una de las pocas que pueden llamarse únicas, un clásico de culto. Y es por eso que es mi recomendación para este fin de semana.



jueves, 16 de octubre de 2014

THE STRAIN: Night Zero -RESEÑA-




Nota: contiene spoilers.

La nueva serie de FX, creada por Guillermo Del Toro y Chuck Hogan, basada en la serie de libros creados por ellos mismos. El primer episodio, dirigido por el mismo Del Toro, no es del rodo exitoso, pero contiene suficientes actuaciones sólidas y visuales creativos, y algunas escenas realmente escalofriantes, como para ser un mal episodio.

El episodio inicia con un avión que aparece en el aeropuerto de Nueva York, y todos los pasajeros parecen estar muertos, debido a la extraña situación del caso, contactan al Dr. Ephraim Goodweather (interpretado por Cory Stoll, mejor conocido por su papel en House of Cards) y a su equipo, integrado por la Dra. Nora Martínez (la argentina Mia Maestro), y Jim Kent (Sean Astin).

La escena del avión está bien ejecutada y va creando el suspenso lentamente, al principio no hay indicios de la causa de muerte de los pasajeros, no hay manchas de sangre, señales de lucha o violencia, como maniquíes. Después de investigar el avión resulta que hay cuatro sobrevivientes, los cuales son separados y puestos en cuarentena hasta que no descubran que fue lo que causó la muerte de los pasajeros.

Una de las subtramas sigue a “Gus” Elizalde, un ex convicto, contratado por quien aparenta ser un empresario extranjero con intenciones ocultas, para sacar una caja, que parece más bien un ataúd, que venía en el avión del extraño accidente. Gus, es hasta ahorita uno de los personajes menos interesantes, su trama se siente plagada de clichés, pero hay suficiente tiempo para que mejore, si se le da suficiente profundidad, además de sólo ser el tipo rudo de la calle.

El personaje de Sean Astin, tiene un momento interesante cuando deja pasar a Gus con “la caja”, fuera del aeropuerto cuando tenía órdenes de no dejar pasar a nadie, es obvio que está siendo presionado por Thomas Eichorst y la gente a la que representa, y será interesante descubrir cómo están haciendo está presión, y que tan lejos llevrán a Jim.



Pero el personaje más interesante hasta el momento es sin dudas Abraham Setrakian (David Bradley, conocido por todos en su papel de Lord Walder Frey en Game of Thrones). Abraham es dueño de una casa de empeño, pero es todo un badass, (el show no desperdicia mucho tiempo en demostrarlo), tiene un bastón con una espada oculta de plata, y debajo de su negocio, yace una especie de estudio secreto (en uno de los sets más Deltorianos del show), donde guarda un corazón, (que descansa suspendido en un líquido amarillento, contenido en un envase de vidrio) al cual alimenta con su propia sangre. David Bradley es genial para el show, porque sabe cuando portarse serio, y cuando ser más relajado, entiende el material a la perfección. Al final del episodio se acerca al Dr. Goodweather y le dice que deben destruir los cuerpos, todos, tanto vivos como muertos, por supuesto es ignorado.
Este es en esencia, un show de vampiros, el problema es que tiene su propia ficción, son vampiros más “reales”, por así decirlo, como si fuera una enfermedad que en realidad pudiera existir, y explicar toda esta ficción toma su tiempo, por lo que algunas personas pueden tener problemas con esto, porque va a tardar un rato en ver a los vampiros en toda su gloria y para que los protagonistas se den cuenta de que no es una enfermedad, sino que son vampiros.

Dejando estos problemas de lado, el primer episodio de The Strain, es bastante sólido, con personajes interesantes (y algunos que pueden mejorar), con buenas actuaciones, aunque diálogos no tan sólidos, que se ve beneficiado por la dirección de Guillermo Del Toro, muy en el estilo de su trabajo en Blade II y Pacific Rim. Habrá que ver cómo se desarrolla la trama a lo largo de la temporada y esperemos que no tardemos mucho en ver a los vampiros. Y el final del episodio es bastante bueno.