domingo, 31 de julio de 2016

Domingo de Doble Función: WWII: SPIELBERG Y DAVID AYER


Este fin de semana tenemos un par de películas que toman lugar en la Segunda Guerra Mundial, Spielberg quería desmitificar la Segunda Guerra Mundial, y a la conocida como The Greatest Generation, el resultado fue la película que le dio el Óscar como mejor director, y es vista por los veteranos como una de las recreaciones más realistas de la guerra. Por su parte la película de David Ayer de igual manera muestra a la Segunda Guerra Mundial de forma realista, no sólo quiere mostrar los actos heroicos, sino también las situaciones traumantes que sufrieron. Ambas comparten personajes similares, el personaje endurecido por la guerra: El Capitán Miller en Ryan y Don War Daddy en Fury, el novato que no ha visto combate: Upham en Ryan y Norman en Fury, y un tercer acto que es bastante similar.

Saving Private Ryan (Rescatando al Soldado Ryan)
¿De qué trata?

Tras el desembarco en Normandía, un grupo de soldados liderados por el Capitán Miller deben ir tras líneas enemigas para rescatar a un soldado cuyos hermanos murieron en combate.

Steven Spielberg quería capturar la Segunda Guerra Mundial con el mayor realismo posible, y desde la secuencia inicial lo logra con creces, el desembarco en Normandía como es relatado por Spielberg es simplemente cautivante y aterradora, desde el inicio vemos a los soldados nerviosos, unos rezan, a otros les tiemblan las manos, otros mareados vomitan, la brisa del mar baña sus uniformes mientras los botes atraviesan las olas con furia, es la calma antes de la tormenta, una vez que se abren las puertas del bote se desata el caos, la confusión y la violencia, es una escena perfecta que nos introduce al tono de la película.





Fury (Corazones de Acero)

¿De qué trata?
En los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial, Don “War Daddy” Collier (Brad Pitt) quien comanda un tanque Sherman pierde a un miembro de su tripulación, y reciben como reemplazo al joven Norman (Logan Lerman) quien no ha estado antes en situaciones de combate. Pueden checar mi reseña original aquí.
Con Fury Ayer quiere retratar una historia de pérdida de inocencia por parte de Norman, vemos como Don tiene simpatía por Norman, pero lo quiere endurecer porque siente qué es la única forma en la que va a sobrevivir a la guerra, esto se ve mejor manifestado en la escena donde Don obliga a Norman a matar a un soldado Nazi que ya se había rendido. En el periodo en el que Fury toma lugar la guerra está por terminarse y hay un aire de decadencia, entre oficiales que se rinden y otros que se suicidan, así como niños soldados. Estos aspectos están bien ejecutados en la película del director de End of Watch y son los mejores aspectos de la misma, Ayer tiene una fascinación por retratar a las personas en sus recorridos hacia sus destinos, ya sean un par de policías patrullando las calles de Los Ángeles, o en este caso un grupo de soldados recorriendo Europa en su tanque, Ayer encuentra intimidad en estas escenas y logra desarrollar a sus personajes, sin embargo todo cambia cuando llegamos al tercer acto, donde el Fury, el tanque de War Daddy, pisa una mina y se descompone quedando atorado en un cruce de caminos, una encrucijada, luego Norman ve a un grupo de Nazis que se acerca hacia su posición, aquí Don decide quedarse junto con su tanque y luchar, el resto del equipo se queda con Don terminando en una batalla final.

Similitudes/Diferencias
En Ryan, la mayoría de las conversaciones, al igual que en Fury, ocurren en los traslados, las largas distancias que cruzan a pie los soldados sirven para conocer más de estos personajes y en realidad sufrir su pérdida una vez que mueren, pero mientras más miembros del escuadrón mueren en el viaje en búsqueda de Ryan los personajes empiezan a dudar de su misión a final de cuentas ¿De qué privilegios goza ese tal James Ryan para ganarse un viaje de regreso a casa?, ¿La vida de Ryan vale más que la de ellos?, dos momentos cruciales suceden, el primero cuando capturan a un soldado enemigo, lo hacen cavar su propia tumba, lo van a ejecutar pues es el responsable de la muerte de un miembro del escuadrón: Wade el Médico. Al final le perdonan la vida gracias en parte al Cabo Upham quien sabe que no sólo va en contra de las reglas matar a su prisionero, sino que es moralmente incorrecto hacerlo pero es el Capitán Miller quien le perdona la vida en un emotivo discurso. El segundo es cuando finalmente encuentran a Ryan (Matt Damon), quien a pesar de la oferta de poder regresar a casa quiere quedarse a pelear y cumplir con su misión: Proteger un puente que tiene un valor estratégico para los Aliados, el Capitán Miller y el resto de su escuadrón entendiblemente están furiosos con Ryan, pero finalmente se quedan junto con él a pelear, esto constituye el tercer acto de la película. Como podemos ver, ambas películas tienen un conflicto final similar, una situación que los pone en una encrucijada, un puesto que defender (un puente en una y un crucero en la otra) y una batalla final.


Sin embargo, es en la película de Spielberg que esto tiene más sentido, en Ryan el Capitán Miller lo único que quiere hacer es volver a casa, a lo largo de la película hay una apuesta para averiguar cuál era la profesión del Capitán Miller antes de la guerra, cuando van a ejecutar a su prisionero Miller revela que era un maestro y le preocupa que la guerra lo haya cambiado al punto de que ya no se note, por lo que le perdonan la vida a su prisionero, quien vemos al final en el grupo de soldados que terminan matando al Capitán Miller, es un acto de bondad que le termina costando la vida, pero ese acto de bondad tenía valor intrínseco para Miller pues sentía que de alguna forma recuperaba algo de su humanidad. Mientras que en Fury no tenemos semejante alegoría, nuestros personajes terminan volviéndose héroes de acción que sólo viven para matar y esto termina contradiciendo sus ideas principales.


Otras escenas que me gustaría comparar son las que ocurren justo antes del enfrentamiento final, en Saving Private Ryan los hombres escuchan Tu es Partout de Edith Piaf mientras cuentan historias de su hogar, Ryan le cuenta a Miller de la última vez que estuvieron todos sus hermanos juntos, la canción es nostálgica y triste, pero sobre todo nos recuerda que estos soldados son personas ordinarias. Mientras que en Fury el personaje de Shia LaBeouf, Bible recita un verso de la Biblia, del capítulo 6 del Libro de Isaías, que es sobre el destino y la valentía, y todos terminan diciendo: “Best job I ever had” estas no son personas, éstos son héroes de acción, no importa cuanta convicción haya detrás de la actuación de LaBeouf, o que la cámara se quede en el rostro de Norman, esta toma establece a estos personajes como héroes de acción, lo cual estaría bien si la película no se hubiera esforzado tanto en los primeros dos actos en establecer a estos personajes como personas.


Aquí es donde el casting se vuelve esencial, mientras que Spielberg elige a Tom Hanks como su protagonista quien normalmente es elegido para interpretar a personas ordinarias; por su parte Ayer elige a Brad Pitt quien es normalmente percibido como una estrella de acción. Esta simple distinción es fundamental, Spielberg quería demostrar con Ryan que las personas que lucharon en la Segunda Guerra Mundial eran comunes y corrientes, el Capitán Miller era un maestro, mientras que en Fury aunque Ayer tiene intenciones similares, y no importa lo talentoso que Brad Pitt sea como un actor, en la mente de la audiencia es muy difícil que pase por una persona ordinaria.

Al final el mensaje en Saving Private Ryan es claro: “Earn this” que no sólo va dirigido del Capitán Miller al joven Ryan, sino que también va dirigido a la audiencia: gánense esto, gánense el sacrificio que todas estas personas hicieron por ustedes. Mientras que en Fury el mensaje es simplemente: matamos a todos los Nazis que pudimos.

Este fin de semana se me hizo buena idea comparar estas dos películas que comparten muchas similitudes, sólo que una lo hace de una manera más efectiva que la otra, pero sobretodo Saving Private Ryan logra mantener una congruencia de tono e ideologías, mientras que Fury sacrifica éstos por un final más enfocado en la acción.

Y a ustedes, ¿Cuál les gusta más? ¿Cuál es su película de guerra favorita? Háganse escuchar en la sección de comentarios.

Créditos:
Saving Private Ryan
Título original: Saving Private Ryan.
Dirección: Steven Spielberg.
Guión: Robert Rodat.
Elenco: Tom Hanks, Tom Sizemore, Vin Diesel, Edward Burns, Matt Damon.
Año: 1998.

Fury
Título original: Fury.
Dirección: David Ayer.
Guión: David Ayer.
Elenco: Brad Pitt, Logan Lerman, Michael Peña, Shia Labeouf, Jon Bernthal.
Año: 2014


Y como siempre, si les gusta lo que leen, no olviden suscribirse al blog, darle like a la página de Facebook (Aquí) y también pueden seguirme por twitter en @isaiaslemus.

jueves, 28 de julio de 2016

Guía Familiar 29.07.2016


Una película de terror indie, una animada para niños, y un par de entregas europeas llegan esta semana ¿Cuál van a ver? 


1) La Vida Secreta de tus Mascotas (The Secret Life of Pets).
RTC: Clasificación "AA" Comprensible para niños menores de 7 años. "Trama apta para todo público de particular interés para menores de 7 años".
MPAA: PG “Por algunas escenas de acción y un poco de humor grosero.”



2) Te Amaré Eternamente (Correspondence).
RTC: Clasificación "B" Para adolescentes de 12 años en adelante. "Escenas de acción y violencia que provocan mínimo impacto y desnudos parciales femeninos en un contexto no erótico".
MPAA: NR


3) La Última Ola (Bolgen)
RTC: Clasificación "B" Para adolescentes de 12 años en adelante. "Escenas de acción y violencia provocadas por catástrofe natural".
MPAA: Clasificación “R” Menores de 17 años requieren de la compañía de sus padres o un tutor “Por lenguaje fuerte e imágenes de desastre”.

4) Queridas Hermanas (Die GeliebtenSchwestern)
RTC: Clasificación "B-15" No recomendad para menores de 15 años. "Escenas de actividad sexual sugeridas e implícitas y lenguaje con connotación sexual".
MPAA: NR

5) Cuando las Luces se Apagan (Lights Out)
RTC: Clasificación "B-15" No recomendad para menores de 15 años. "Escenas de horror y violencia que pueden provocar cierto impacto".
MPAA: Clasificación “PG-13” Menores de 17 años requieren de la compañía de sus padres o un tutor “Por terror constante, violencia incluyendo imágenes perturbadoras, algo de material temático, y breve uso de drogas”.


Para ver de dónde obtuve esta información no duden en checar la página de la RTC (Aquí) y la página de la MPAA (Aquí) y de la CARA (Aquí).

miércoles, 27 de julio de 2016

TIEM-POST-MODERNOS RECOMIENDA: STRANGER THINGS



Para todos aquellos fanáticos de Steven Spielberg, Stephen King, los 80’s, y muchas cosas más regocíjense pues Netflix les ha traído un regalo de Navidad adelantado.
En esta época dorada de la televisión los programas se han vuelto cada vez más adultos, parece haber una competencia entre las cadenas para ver quien supera el nihilismo de Game of Thrones, (y no me lo tomen a mal, amo la mayoría de estos programas, incluyendo Game of Thrones) sin embargo cada vez parece haber más una brecha entre programas muy adultos y programas para niños muy pequeños, dejando a los niños más grandes y a los adolescentes en un limbo de entretenimiento con una programación escasa y de baja calidad. Stranger Things en muchas formas parece ser la respuesta natural a esta brecha, una serie enfocada en los adolescentes y niños grandes que pronto serán adolescentes, un programa que respeta su inteligencia, con personajes tridimensionales (en su mayoría) y buenos valores de producción. Los principales niños en este universo Mike, Lucas, Dustin, y la misteriosa Elle no se quedan de brazos cruzados ante las situaciones cada vez más peligrosas que enfrentan, tienen opiniones, anhelos, les gusta la fantasía y la Ciencia Ficción, juegan Dungeons and Dragons y andar en bicicleta, la amistad entre los ellos se siente natural y orgánica. De igual forma los adolescentes Nancy (hermana de Mike), Jonathan (hermano de Will), Steve, Barbara, se sienten naturales, no son los típicos clichés andantes que abundan en el género, son decididos, tienen opiniones y son resueltos.
De la trama lo único que diré es esto: se centra en un pequeño pueblo de Indiana llamado Hawkings, dónde una noche el joven Will Byers desaparece, y luego cosas extrañas suceden.


En realidad no necesitan saber más, mientras menos sepan de la trama mejor, la serie creada por los hermanos Duffer es un homenaje a las películas de los 80’s, es una mezcla perfecta entre Spielberg, Stephen King, y una pizca de John Carpenter, pero afortunadamente logra mantenerse por sí misma, y no ser un simple homenaje (uno de los principales problemas que tuve con Super 8 un esfuerzo similar de J.J. Abrams en capturar la esencia de las películas de esa época), muchos de los personajes toman direcciones diferentes de la que se esperaría en un trabajo como este y al final encuentra su propia voz.
El elenco, como cada vez se vuelve más el caso en la televisión, es un buen ensamble, es bastante agradable volver a ver a Winona Ryder quien interpreta a Joyce Byers (la mamá del desaparecido Will), en manos de una actriz menos experimentada su personaje se hubiera vuelto fácilmente irritable, es fascinante verla dar todo en un par de escenas muy dramáticas solo para que sus coprotagonistas más jóvenes suban el nivel de sus actuaciones. Millie Bobby Brown es una revelación como Eleven, una chica misteriosa que aparece cuando Will desaparece, su personaje es el más demandante y la joven actriz cumple con creces. También fue una grata sorpresa David Harbour como el Jefe de Policía Jim Hopper quien cumple en los momentos más emocionales como en aquellos más enfocados en la acción.


Stranger Things por su parte es bastante cinemática, de hecho en un inicio estaba un poco desilusionado al ver que sólo eran 8 episodios en lugar de los 10 o 13 que se han vuelto el común denominador en Netflix, pero esto ayuda al ritmo general de la serie, se siente como una película de 8 horas, cada episodio salta al siguiente con una increíble naturalidad, y es prácticamente imposible ver sólo uno, de hecho recomendaría ver todos los episodios en un fin de semana, los 4 primeros un día, y el resto al siguiente para conservar la atmósfera que la serie eficientemente crea. Aunque no sé si la segunda temporada funcione, preferiría que fuera una serie de antología (como Fargo y True Detective), pero definitivamente hay material para una segunda temporada.


A su vez, algunas tomas están muy bien compuestas, especialmente la mayoría que toman lugar en la casa de los Byers, cuando por razones de la trama Joyce llena el lugar de luces navideñas esto es aprovechado para generar una atmósfera de fantasía y cierta inquietud.
Por su parte el soundtrack es simplemente perfecto, compuesto por Michael Stein y Kyle Dixon es reminiscente de la época, y completamente disfrutable por sí solo, y la selección musical es igual de acertada: The Smiths, Joy Division, New Order, Jefferson Airplane, The Clash y más están entre los grupos que adornan esta aventura ochentera.
Y aunque a veces su ambición excede su presupuesto y puede llegar a abusar un poco en sus referencias, especialmente Star Wars, algunas subtramas casi se vuelven cansadas (digo casi porque cuando están por hacerlo la trama afortunadamente avanza), y algunas actuaciones son un poco acartonadas, y por supuesto tiene otros detalles que se pueden señalar, pero a final de cuentas disfruté tanto de esas ocho horas que no puedo hacer otra cosa más que pasarlas por alto, esto se debe principalmente a que soy la audiencia perfecta para un programa como este, para alguien que creció amando la mayoría  de las cosas que estos niños aman (¡el área donde desaparece Will es llamada por los niños Mirkwood!), Stranger Things me hizo recordar muchas cosas de mi infancia (aunque soy de los 90’s), parece un programa hecho a la medida, y toca en muchos de los géneros y temas que más me gustan, pero lo mejor de todo es que lo hace de una manera exitosa, quizá si no les gusta el género o las influencias detrás de este programa no les guste tanto, pero aún así recomendaría invertir tiempo en esta extraña serie que llena un agujero dejado por la evolución natural del entretenimiento, por eso aprovechen un fin de semana, junten a la familia (aunque puede resultar muy aterrador para niños más pequeños), preparen unas palomitas, apaguen las luces, suban el volumen al máximo y disfruten de esta fenomenal serie, que es sin dudas la mejor serie original de Netflix en un buen rato.

Título original: Stranger Things.
Creada por: Los Hermanos Duffer.
Elenco: Winona Ryder, David Harbour, Flinn Wolfhard, Millie Bobby Brown, et al.
Año: 2016

lunes, 25 de julio de 2016

Buscando a Dory -Reseña-


La más reciente entrega de Pixar y secuela de una de sus mejores películas tenía muchas expectativas que cumplir, y es en su mayoría exitosa.

Al principio dudaba un poco al tener a Dory como protagonista ya que temía que Dory solo funcionara en pocas dosis, y al tener más tiempo en pantalla se volvería irritante, afortunadamente esto no es así, Andrew Stanton y Angus MacLane logran dotar a Dory de suficiente personalidad para volverla un buen personaje principal.

Aunque en un inicio la trama es bastante similar a la de Buscando a Nemo, con Dory buscando a sus padres y Nemo y Marlin buscándola a ella, pero después del primer acto logra consolidarse por sí misma, tomando un rumbo bastante diferente del de la original, pero manteniendo su esencia.

Los nuevos personajes son simplemente encantadores, Destiny la ballena con serios problemas de vista es bastante graciosa, al igual que Bailey la beluga, y por supuesto el pulpo Hank quien prefiere el cautiverio a la libertad del océano, y al final todos han crecido de alguna manera.

En un inicio Buscando a Dory me sorprendió porque parecía más melancólica, los primeros cinco minutos son bastante tristes, inclusive para los estándares de Pixar, pero después de un rato encuentran un buen balance entre la comedia y los aspectos más serios.

Aunque el doblaje en general es excelente, tuve algunos problemas con los papás de Dory (a quienes conocemos por medio de flashbacks) cuyas voces no se sienten tan naturales como el resto.

Técnicamente aunque no llega a los niveles de foto realismo de El Buen Dinosaurio es visualmente impresionante, Pixar logra capturar más matices del océano, así como mayor realismo en los efectos de difracción.

Buscando a Dory logra vencer las similitudes de su trama con una historia con bastante corazón y con personajes muy bien logrados, tanto los recurrentes como los nuevos, y una selección musical cerca del final que es simplemente perfecta, hacen de esta una de las pocas buenas secuelas.


PD: El corto inicial está muy chido.

Dirección: Andrew Stanto, Angus MacLane.
Guión: Andrew Stanton, Victoria Strouse.
Voces (en inglés): Ellen DeGeneres, Albert Brooks, Ed O'Neill, Kaitlin Olsen.
Año: 2016.

jueves, 21 de julio de 2016


Esta semana Diego Luna regresa a la silla del director, tenemos la secuela de los magos ladrones, y un par de películas de acciones genéricas son algunas de las propuestas que llegan esta semana a la salas de cine ¿Cuál van a ver?


1) Sr. Pig (Mr. Pig).
RTC: Clasificación "B" Para adolescentes de 12 años en adelante. "Uso de lenguaje altisonante".
MPAA: NR



2) Los Ilusionistas 2 (Now You See Me 2).
RTC: Clasificación "B" Para adolescentes de 12 años en adelante. "Trama de particular interés para adolescentes de 13 años en adelante".
MPAA: PG13 Parte del material puede no ser apropiado para menores de 13 años "Algunas escenas de violencia y algo de lenguaje".


3) El Valle del Amor (Valley of Love)
RTC: Clasificación "B" Para adolescentes de 12 años en adelante. "Trama de particular interés para mayores de 13 años en adelante".
MPAA: NR


4) Mente Implacable (Criminal)
RTC: Clasificación "B-15" No recomendad para menores de 15 años. "Escenas de violencia constante y uso de lenguaje altisonante".
MPAA: Clasificación “R” Menores de 17 años requieren de la compañía de sus padres o un tutor “Por fuerte violencia y lenguaje constante”.


5) Conexión Mortal (Cell)
RTC: Clasificación "B-15" No recomendad para menores de 15 años. "Escenas de horro y violencia en un contexto fantástico, puede provocar cierto impacto, escenas de sexualidad sugerida y uso breve de lenguaje altisonante".
MPAA: Clasificación “R” Menores de 17 años requieren de la compañía de sus padres o un tutor “Por contenido violento perturbador , horror, breve escena de sexualidad y lenguaje ”.



Para ver de donde obtuve esta información no duden en checar la página de la RTC (Aquí) y la página de la MPAA (Aquí) y de la CARA (Aquí).

domingo, 17 de julio de 2016

DOMINGO DE DOBLE FUNCIÓN: NOLAN Y LOS WACHOWSKI



Bienvenidos al segundo domingo de doble función, como siempre, la dinámica consiste en comparar dos películas que comparten algún elemento que se enriquecen al ver ambas de forma consecutiva, este fin de semana le corresponde a Interstellar y Cloud Atlas. Estos directores han explorado temas similares con anterioridad, muchos veían a Inception como la nueva Matrix, pero no son sus únicos trabajos que comparten temas similares.

Interstellar

¿De qué trata?
La Tierra se está muriendo, y aparece un agujero negro que puede llevar a la humanidad a un mundo habitable, la NASA busca a Cooper (Matthew McConaughey) el único piloto capaz de realizar el viaje, para llevar a una tripulación a través del agujero negro y encontrar un planeta habitable. La dirección de Christopher Nolan nunca ha sido tan certera y el uso de efectos especiales prácticos ayuda no solo a darle un “sabor” a una película de ciencia ficción de la vieja escuela, y el hecho de que se haya grabado usando filme en lugar de una cámara digital en realidad ayuda a enriquecer toda la experiencia. Tiene múltiples referencias a trabajos de Spielberg como de Kubrick, y es una experiencia que vale la pena ser disfrutada por sí sola. Fue mi película favorita del 2014 y me gustó tanto que hice un análisis (el cual pueden consultar aquí).

Cloud Atlas
¿De qué trata?
Esta película de los hermanos Wachowski y Tom Tykwer, basada en la novela homónima de David Mitchell, es una trama que abarca múltiples vidas y diversas líneas de tiempo, y cómo estas se entrelazan a pesar de los miles de años que hay entre cada uno de sus personajes. Desde unos señores de la 3ra edad buscando salir de un asilo, un pianista buscando trabajar con uno de los músicos más reconocidos de su época, hasta una androide luchando por su libertad en un futuro distópico. Con un elenco impresionante que incluye a Tom Hanks, Halle Berry, Jim Broadbent, Jim Sturgess, Doona Bae y Ben Wishaw pasado entre otros, presente y futuro se mezclan en esta aventura de los creadores de la saga de Matrix.

Similitudes


Ambas son visualmente impecables, Nolan confiando en efectos prácticos y los Wachowski utilizando mucho CGI, pero de forma efectiva. Pero ambas logran crear imágenes memorables y visualmente impactantes. Las dos exponen que hay fuerzas más grandes que nosotros, cuyo impacto trasciende el tiempo y el espacio, es en Interstellar el amor la última conexión entre Cooper y su hija Murph, y lo que finalmente los reúne. En Cloud Atlas podemos ver cómo el valor de una androide lleva finalmente a una rebelión, cada acto tiene una consecuencia aunque no siempre sea inmediata.
Aunque las dos son películas largas, tienen desenlaces sumamente satisfactorios, y aunque personalmente prefiere la entrega de Christopher Nolan, la película de Lana y Andy Wachowski es también bastante buena y perfectamente recomendable.

Temas principales

Uno de los temas principales en la película de ciencia ficción de Christopher Nolan es que hay fuerzas que pueden viajar a través del tiempo, como la fuerza de gravedad que sirve para enviar un mensaje crucial, además se plantea como sentimientos como el amor pueden viajar a través del tiempo y el espacio. Es una película que ejemplifica de manera única la teoría de la relatividad, y debido a circunstancias de la trama tenemos diferente líneas de tiempo. Pero principalmente se trata sobre fuerzas que trascienden el tiempo y el espacio, sobre el alma pionera y el espíritu explorador del ser humano. Debido a las circunstancias del mundo de Cooper, la gente ha regresado principalmente a la agricultura, pero Cooper quiere volver a la época de la exploración y del atrevimiento, también se trata de luchar hasta el final, demostrado con las múltiples veces que se recita el poema de Dylan Thomas Do not go gentle into that good night.

Por su parte y como mencionaba en líneas arriba, en Cloud Atlas existen diversas líneas de tiempo, pero sin dudas, y al igual que Interstellar, se trata principalmente sobre fuerzas más grandes que nosotros que nos rigen de alguna manera, al igual que en Interstellar, actos de amor, odio, y compasión trascienden el tiempo teniendo consecuencias a miles de años de distancia. También es una historia de reencarnación, con varios actores interpretando diferentes personajes a lo largo de los años.

Es una película increíblemente ambiciosa y algunas historias son mejores que otras, Cloud Atlas es generalmente exitosa, aunque no sea inicialmente igual de cautivante como The Matrix los Wachowski y compañía logran construir una trama épica, con mucho corazón, se ve que es un tema que les importa, de hecho comparte muchos de los temas de su serie Sense8 (otra historia de vidas interconectadas a través del espacio). Finalmente se trata del bien contra el mal, siendo éste último muchas veces un personaje interpretado por Hugo Weaving, pero podemos ver cómo los actos más sencillos de amor o compasión pueden trascender una vida y afectar a las de los demás.

A final de cuentas, ambas tratan de lo mismo, debido a nuestra naturaleza, lo queramos o no, nuestros actos tienen impacto en las vidas de los demás, y al ver ambas películas podemos apreciar como ser gentil con la persona de al lado, puede ser, al final del día, igual de importante como salvar al mundo.


Créditos
Interstellar
Título original: Interstellar.
Dirección: Christopher Nolan.
Guión: Jonathan y Christipher Nolan.
Elenco: Anne Hathaway, Matthew McConaughey, Jessica Chastain.
Año: 2014.

Cloud Atlas
Título original: Cloud Atlas.
Dirección: Andy y Lana Wachowski, Tom Tykwer.
Guión: Andy y Lana Wachowski, Tom Tykwer.
Elenco: Tom Hanks, Halle Berry, Jim Broadbent, Jim Sturgess, Doona Bae y Ben Wishaw.
Año: 2012.

Y ustedes ¿Qué par de películas creen que se complementen como éstas dos? ¿O qué película comparte temas similares? ¡Háganse escuchar en la sección de comentarios! Recuerden que los Domingos de Doble Función son cada 15 días.

Y como siempre si les gusta lo que leen, no olviden suscribirse al Blog, darle like a la página de Facebook (Aquí), y también pueden seguirme por twitter en @isaiaslemus.

jueves, 14 de julio de 2016

Guía Familiar 15.07.2016


Llegan pocos estrenos esta semana, ¿Cuál van a ver?

1) Buscando a Dory (Finding Dory).
RTC: Clasificación "AA"  Comprensible para niños menores de 7 años. "Trama apta para todo público, de particular interés para menores de 7 años".
MPAA: PG Algo del material puede no ser adecuado para niños "Leves elementos temáticos".

2) El Esgrimista (The Fencer)
RTC: Clasificación "A" Para todo público. "Trama apta para todo público".
MPAA: NA

3) Miedo Profundo (The Shallows)
RTC: Clasificación "B" Para adolescentes de 12 años en adelante. "Escenas de horror que pueden provocar cierto impacto".
MPAA: PG-13 El contenido puede ser inapropiado para menores de 13 años "Por imágenes sangrientas, secuencias intensas de peligro, y breve lenguaje fuerte".

Para ver de donde obtuve esta información no duden en checar la página de la RTC (Aquí) y la página de la MPAA (Aquí) y de la CARA (Aquí).

DOS TIPOS PELIGROSOS -RESEÑA-


Shane Black, director de películas como Iron Man 3, Kiss Kiss, Bang Bang y guionista de la original Arma Mortal vuelve con su más reciente entrega The Nice Guys (aquí horriblemente titulada Dos Tipos Peligrosos).

La película toma lugar en Los Ángeles en los 70’s, hay decadencia, el letrero de Hollywood está destruido, hay escasez de gasolina, y la industria de la pornografía está en su auge. Y cuando la estrella porno hilarantemente nombrada Misty Mountains aparentemente comete suicidio se desencadena una serie de eventos que no revelaré aquí. Pero a pesar de parecer complicada, la trama es bastante fácil de seguir.
Todas las características de Shane Black están presentes: Dos investigadores protagonistas, dos misterios que se entrelazan, humor negro, y navidad (aunque esta no está completamente situada en la época decembrina).

Las películas de Shane Black siempre tienen un cierto encanto porque sabe cómo las películas de acción y de detectives funcionan, sabe qué es lo que se espera de ellas, por lo que siempre trata de subvertirlas, y lo mejor es que siempre trata a sus personajes como personas y no como héroes de películas de acción, deja que aspectos inesperados y no Hollywoodenses se inserten en la trama, la casualidad forma gran parte de la trama, sin embargo, lo más interesante de The Nice Guys es sin lugar a dudas sus personajes, Holland March (Ryan Gosling) y Jackson Healy (Russell Crowe). March es un investigador privado mediocre, la mayoría de sus clientes son ancianas despistadas, lo que lo convierte a él básicamente en un estafador, es un padre soltero, alcohólico y sin sentido del olfato.
Por su parte, Jackson Healey es un hombre violento tratando de ser una persona más pacífica y más razonable, no es estrictamente un investigador privado, es más como un golpeador por encargo, generalmente trabaja para mujeres jóvenes que tienen un acosador. Como en Kiss Kiss, Bang, Bang la trama se enfoca en dos casos que se entrelazan obligando a Healey y March a trabajar juntos.
Este enfoque en los personajes es algo sorprendente en la temporada de blockbusters, tanto Holland como March (pero en especial el primero) tienen personalidades, y el disfrute de la película está en ver cómo reaccionan ante las situaciones cada vez más extrañas en las que se encuentran. Tomen por ejemplo una que aparece en los trailers, March y Healey toman un elevador y cuando llegan a su destino hay un hombre con la garganta cortada y otro siendo baleado, en una película de acción normal los personajes sacarían sus armas y enfrentarían la situación, pero como nuestros personajes no son en sí héroes se ven mutuamente y regresan al elevador, la forma en la que dicha escena está dirigida es magistral y es un gran ejemplo de comedia visual, la cual es cada vez más escasa en las comedias americanas.


 Como mencionaba arriba, los personajes son la mejor parte de la película pero es Holland March interpretado brillantemente por Ryan Gosling quien se roba cada escena en la que está. Gosling ha construido una de las carreras más interesantes, en lugar de tomar los papeles estereotípicos ha tomado decisiones arriesgadas, y aquí es simplemente brillante. Tiene un porte de actor mal logrado, su lenguaje corporal transmite una esencia de cruda perpetua, y en una escena recuerda a Chaplin (así es el mismísimo Charles Chaplin) en Tiempos Modernos, francamente no exagero cuando digo que se merece por lo menos una nominación a Los Globos de Oro.

A parte de la brillante actuación de Ryan Gosling, él y Crowe tienen una excelente química, y además el elenco cuenta con Kim Basinger, verla compartir escenas con Crowe es un grato recuerdo de L.A. Confidential. La película tiene un buen toque de surrealismo y escenas extrañas, como Gosling persiguiendo a un par de sirenas en la alberca de una fiesta porno y un viaje al aeropuerto que toma un giro onírico.

Aunque, como comentaba al incio, Black esté repitiendo muchos de sus temas recurrentes toma un nuevo enfoque, con una dirección más firme y más espontánea que en sus esfuerzos anteriores, y logra encontrar nuevas formas de contar la misma historia, el resultado es familiar, pero a la vez diferente, y es en sí una mejor película debido a esto.

A pesar de todo esto, se abusa del uso de Holly, la hija de March, para generar situaciones de peligro, cerca del final hay una breve enseñanza moralina que parece pertenecer a otra película,  y la ambientación setentera no es explotada al máximo. Sin embargo la película es tan disfrutable que esto se perdona fácilmente.


Por último, cabe mencionar que esta es una película original en el sentido de que no está basada en nada preestablecido, no es una secuela, precuela, reboot o remake, lo cual es de admirarse en esta época dónde hay cada vez menos blockbusters arriesgados u originales, The Nice Guys es una excelente comedia negra, decididamente para adultos, original y con un par de personajes que me encantaría volver a ver en la pantalla grande, y sin lugar a dudas, la mejor película del verano.

Título original: The Nice Guys.
Dirección; Shane Black.
Guión: Shane Black, Anthony Bagarozzi.
Elenco: Ryan Gosling, Russell Crowe, Kim Basinger, Margaret Qualley.
Año: 2016.

Y como siempre, si les gusta lo que leen, no olviden suscribirse al blog, darle like a la página de Facebook (aquí), y también pueden seguirme por twitter en @isaiaslemus.

miércoles, 13 de julio de 2016

BUSCANDO A NEMO Y KINTSUGI



Pixar es de los pocos estudios el cual, la gente de mi generación, ha podido ver desde sus inicios, todos los que somos de los 90's es probable que hayamos visto todas sus películas, y hemos presenciado su evolución a lo largo de los años. La mayoría de sus películas son de buenas a “grandes”, (con algunas decepciones) y aunque mi favorita hasta el momento sigue siendo UP, con el estreno de Buscando a Dory este fin de semana no parece haber un mejor momento para hablar de otra de las “grandes” películas de Pixar: Buscando a Nemo.

Era un niño cuando la vi por primera vez en el cine, y con el paso del tiempo he tenido una creciente apreciación por todo lo que hace bien esta película, y su innegable relación con el arte japonés del Kintsugi.

Kintsugi literalmente significa “carpintería de oro”, y de acuerdo con Wikipedia “es el arte japonés de arreglar fracturas de la cerámica con barniz de resina espolvoreada o mezclada con polvo de oro, plata o platino.” Si quieren saber más del arte del Kintsugi pueden ver un fenomenal Video de Nerdwriter1 que hizo sobre este tema y que en parte me inspiró para escribir este artículo/análisis.
Este arte japonés embraza la filosofía de aceptar el daño, ya que las tazas de cerámica que habían sido reparadas con ésta técnica se volvían muchas veces, más hermosas que su versión original. A la hora de hacer las reparaciones con esta técnica no se busca lograr desaparecer el daño que sufrió la pieza de cerámica, sino hacer hermosas las grietas que le dejó la ruptura.

Muchas de las películas de Pixar (y las películas en general) tratan sobre este tema, pero pocas lo abordan de la misma manera que lo hace Buscando a Nemo. En la película, Marlin un pez payaso, pierde a su esposa y a sus hijos en estado embrionario cuando son atacados por una barracuda, sólo uno sobrevive, pero está dañado. Esto provoca que Nemo nazca con una deformidad, una aleta más pequeña que la otra.
Luego cuando su único hijo es raptado por un buzo para llevárselo a su pecera en Sydney, las peores pesadillas de Marlin se vuelven realidad y lo obligan a embarcarse en una aventura épica para rescatar a su hijo. Buscando a Nemo tiene todos los elementos de un buen thriller: un papá en busca de su hijo, con ayuda de alguien con problemas de pérdida de memoria a corto plazo parece la trama de una película de la franquicia de Taken, pero Andrew Stanton y Lee Unkrich logran construir algo especial.

Marlin en su padre sobre protector, que intenta impedir que Nemo sufra a toda costa, sin embargo, en su viaje y gracias a la ayuda de diversos personajes coloridos como las tortugas, pero especialmente de Dory, llega a la conclusión de que esto es imposible, como se demuestra en la escena que toma lugar en el interior de una ballena, dónde Marlin finalmente entiende que si sigue intentando que nada le pase a Nemo, nada le va a pasar, incluyendo las cosas buenas. La película en su esencia se trata del Kintsugi, de aceptar el daño y entender que siempre van a suceder cosas malas, pero se pueden transformar en cosas positivas admitiéndolas y entendiendo que es parte de la vida.

El símbolo que mejor ejemplifica esto es la aleta dañada de Nemo, al inicio es tratada como una desventaja para Nemo y es un constante recordatorio de lo peligroso que puede ser el mundo (en este caso el océano), es una forma visible de daño, es evidente y física. Pero, conforme la trama avanza Nemo aprende a hacer suyo ese daño, por ejemplo, logra detener el mecanismo de limpieza de la pecera, como parte de su plan de escape.

Al final de la película tanto padre e hijo han crecido como personajes, Nemo entiende que su aleta dañada no es una desventaja, y Marlin entiende que el peligro es parte de la vida, aquí es donde llega el momento esencial de la película, el momento Pixar, en lo que es sin dudas la mejor escena de la película, y una de las mejores escenas que Pixar ha construido y que es fruto de la colaboración de los integrantes del estudio: Después de haber rescatado a los peces que estaban atrapados en la red, Marlin y Dory buscan a Nemo, hay confusión y caos alrededor, el mar está agitado, y los granos de arena flotan alrededor, luego lo ven, tirado, en el lecho del mar, debajo de la red, parece inmóvil, ambos se acercan a él, nadando lo más rápido que pueden, le quitan la red de encima, Nemo tiene los ojos cerrados, vemos un flashback Marlin sosteniendo el huevo dañado de Nemo entre sus aletas, Nemo toce y abre los ojos, está vivo, ambos se reconcilian, y Marlin toma la aleta dañada de Nemo con la suya, por medio de este gesto tan sutil, pero tan genial Marlin acepta el daño que sufrió su hijo, es en esta simple escena que no dura más de 2 minutos que la película nos muestra que Marlin ha aceptado por fin lo que sufrió tanto él como su hijo, y está dispuesto a seguir adelante. Pues el daño siempre dejará una marca en su sujeto, cicatrices tanto físicas como emocionales y es en el arte del Kintsugi y bellamente ejemplificado en la película de Buscando a Nemo donde podemos ver que el mundo está lleno de peligros y nadie saldrá sin cicatrices del mismo, pero lo que podemos hacer es, en lugar de ignorarlas o pretender que nunca existieron, podemos aceptarlas y cubrirlas de oro, de esta forma nuestras cicatrices se vuelven en un objeto de belleza y parte esencial de nuestro ser.

Aquí Pixar, Andrew Stanton y Lee Unkrich entregar un mensaje profundo y alentador por medio de una película familiar con chistes de pedos, aventura y comedia, hacer esto de una forma tan sencilla y carente de toda pretensión, y que a sus 13 años conserve su mismo impacto es un logro tremendo y es una prueba más de que Pixar es uno de los mejores estudios haciendo películas verdaderamente familiares, y para terminar les dejo una de mis citas favoritas de Walt Disney: "When finding a new picture, we don't think of grown ups, we don't think of children, but just of that fine, clean, unspoiled spot, down deep in everyone of us, that maybe the world has made us forget, and maybe our pictures can help recall"

Título original: Finding Nemo.
Dirección: Andrew Stanton y Lee Unkrich.
Guión: Andrew Stanton Bob Peterson y David Reynolds.
Elenco: Albert Brooks, Ellen DeGeneres, Alexander Gould, Willem Dafoe.
Año: 2013.

Como nota aparte, de verdad suscríbanse al canal de Nerdwriter (Aquí) es uno de los pocos youtubers haciendo cosas realmente diferentes y todos sus ensayos valen la pena.

Y como siempre, si les gusta lo que leen, no olviden suscribirse al blog, darle like a la página de facebook (Aquí), y también pueden seguirme por twitter en @isaiaslemus.

domingo, 3 de julio de 2016

Domingo de doble función: Snyder vs Snyder


Este domingo quiero introducir una nueva sección en Tiem-post-modernos, ya que muchas películas comparten ideas similares, o algunas tratan sobre el mismo tema, pero con diferentes resultados, y como dice el viejo dicho "La mejor forma de criticar una película es haciendo otra", en los Domingos de Doble Función propondré dos películas con temáticas similares, o que compartan algunos temas, técnicas, o miembros de la producción (Pueden ser desde directores, productores hasta actores), para reforzar las ideas de una película o para refutarlas, para ver porqué unas películas funcionan y otras no, cuya experiencia se enriquece al ver ambas películas de forma seguida. 

Esta semana, y debido al estreno digital de Batman v Superman: Dawn of Justice Ultimate Edition las películas que integrarán esta doble función son: Watchmen y Batman v Superman: Dawn of Justice en sus versiones teatrales. Ambas fueron dirigidas por Zack Snyder, ambas son bastante largas, y las dos obtuvieron críticas mixtas. 
**NOTA: Contiene algunos spoilers de ambas películas.

Watchmen

¿De qué trata?
Basada en la novela gráfica y obra maestra de Alan Moore, Watchmen es una observación y de-construcción de los estereotipos de superhéroes, básicamente plantea que una persona que se pone un disfraz colorido y absurdo para combatir el crimen por las noches no puede ser emocionalmente estable. En un 1985 alterno, un viejo superhéroe y antiguo miembro de un grupo conocido como The Watchmen llamado The Comedian es encontrado muerto en su departamento, lo que lleva a Rorshcach otro ex miembro de The Watchmen a investigar su homicidio, y descubrir una conspiración que podría tener consecuencias apocalípticas.


Batman v Superman: Dawn of Justice

¿De qué trata?
Aunque no es una adaptación directa de algún trabajo en concreto, BvS toma algunos elementos de cómics como The Dark Knight Returns y The Death of Superman, en esta secuela de Man of Steel, Bruce Wayne/Batman después de haber presenciado en persona la destrucción de Metrópolis, ve a Superman como una amenaza que debe ser eliminada. Por su parte, Superman/Clark Kent enfrenta las consecuencias de sus actos, descubriendo que cada acto heroico tiene una consecuencia, y desaprueba los actos violentos del Murciélago de Ciudad Gótica, llevando a un inminente conflicto entre ambos.




Similitudes:

Tanto Watchmen como BvS son dirigidas por Zack Snyder, y se nota no solo en su estilo de dirección con tomas en cámara lenta súper-estilizadas, sino además en el filtro azul frío que utiliza, con mucho grano de filme que le quita el brillo a los colores. La temática de ambas es bastante similar, ya que las dos tienen un personaje que es prácticamente un dios, en Watchmen es el Dr. Manhattan, y en BvS es Superman, y en ambas estos personajes son manipulados por humanos sumamente inteligentes para aislarlos y que abandonen el mundo, o por lo menos la trama principal. En Watchmen este papel es efectuado por Ozymandias, mientras que en Dawn of Justice es Lex Luthor quien manipula a Superman.

Temas principales:

Una de las ideas principales de Batman v Superman es que si Dios es todo poderoso, no puede ser completamente bueno, y si es todo bueno, no puede ser todo poderoso, eso es lo que Lex quiere demostrar. Además se plantea que para todo acto heroico hay una consecuencia igualmente desastrosa, como se demuestra en el diálogo entre Clark y su papá, cuando le platica de aquella vez en la que casi se inunda su granero, y lograron desviar el agua, pero la mandaron río arriba causando que se inundara la granja de alguien más. Y por último, otra de las ideas de esta película es que nadie permanece bueno por siempre en este mundo.


Watchmen
 es una épica que abarca múltiples décadas y diversos personajes, y aunque la película es reducida en escala, permanece igual de ambiciosa en sus temas. Como ya había mencionado, uno de los temas principales en esta película es que un superhéroe en la vida real no sería una persona emocionalmente estable ni balanceada, cada uno de los personajes principales tiene serios problemas psicológicos, Rorschach llama a su máscara "su cara", Nite Owl II no puede desempeñarse sexualmente si no trae su disfraz, The Comedian es un fascista quien utiliza su estatus de héroe para justificar su violencia, Dr. Manhattan se ha separado emocionalmente de la humanidad al punto de no sentir empatía por los sucesos del mundo, y Silk Spectre II tiene serios problemas maternales. Pero también, al final se trata del superhombre (Ozymandias), usando el poder de dios (Dr. Manhattan) para obligar al mundo al mundo a una paz forzada. En Watchmen no hay un villano en sí, lo más parecido que tenemos es Ozymandias, pero está tan bien realizado que es difícil encasillarlo en un estereotipo, sus acciones tienen sentido, y al final gana, y al final queda una pregunta en la audiencia ¿En realidad vale la pena la paz basada en una mentira?


Como podemos observar, ambas películas tienen ideas interesantes detrás de ellas, y quieren ser algo más que simple entretenimiento, sin embargo, es en la ejecución dónde una de ellas sale airosa y la otra no. Watchmen, después de The Dark Knight es mi película favorita del género, y a pesar de lo ambicioso del proyecto, es una adaptación increíblemente fiel de la novela gráfica de Alan Moore, muchos de los cambios que se hicieron tienen sentido y la película en su todo es disfrutable, los créditos iniciales hacen un gran trabajo en mostrarnos los antecedentes del mundo de la película en una forma cinemática y a ritmo de Bob Dylan, las secuencias de acción, aunque son esporádicas y definitivamente no son el tema principal de la película ofrecen un buen cambio de ritmo, y están muy bien ejecutada, Jackie Earle Haley quien interpretó a Rorschach en la adaptación fue una revelación en su momento, y la secuencia del nacimiento de Dr. Manhattan es simplemente magistral.
Mientras que BvS tiene severos problemas de ritmo, subtramas que no llevan a ningún sitio, y el conflicto central es decepcionante, Snyder no logra capturar el espíritu de sus personajes principales y contarlos en una historia congruente y bien desarrollada.

Todo parece indicar que Zack Snyder es ideal para hacer adaptaciones directas de trabajos previamente establecidos, sus películas mejor recibidas tanto por la crítica (aunque nunca ha sido uno directores favoritos de la crítica) y por las audiencias han sido Dawn of the Dead, Watchmen y 300, mientras que sus adaptaciones no directas y trabajos originales como Sucker Punch y BvS le han dado su peor recepción crítica, y en el caso de Sucker Punch, también financiera.


Watchmen tanto en temas como en escala es infinitamente más ambiciosa que BvS sin embargo la primera funciona mucho mejor que Dawn of Justice. Si BvS hubiera sido una adaptación directa de The Dark Knight Returns considero que hubiera sido una mejor película, Zack Snyder no es un mal director, tiene un lenguaje muy cinematrográfico y sabe combinar a la perfección temas musicales con las imágenes en pantalla, pero por alguna razón cuando se trata de trabajos originales o adaptaciones indirectas pierde el motivo de la historia. 

¿Qué tal les pareció esta nueva sección? ¿Les gustaría ver más propuestas similares? ¿Ustedes que opinan de estos trabajos de Zack Snyder? ¿Cuál es su favorita y porqué? ¡Háganse escuchar en la sección de comentarios!

Créditos:
Watchmen
Dirección: Zack Snyder.
Guión: David Hayter y Alex Tse.
Elenco: Malin Akerman, Billy Crudup, Patrick Wilson, Jackie Earle Haley, Jeffrey Dean Morgan, Carla Gugino.
Año: 2009.

Batman v Superman: Dawn of Justice
Dirección: Zack Snyder.
Guión: Chris Terrio, David S. Goyer.
Elenco: Ben Affleck, Gal Gadot, Henry Cavill, Jesse Eisenberg, Amy Adams, Jeremy Irons.

Y como siempre, si les gusta lo que leen, no olviden suscribirse, darle like a la página de facebook (Aquí), y también pueden seguirme por twitter en @isaiaslemus.