Legarreta, Araiza y el dólar: La opinión personal impersonal -OPINIÓN-

El otro día navegando por twitter me encontré con el nombre de la conductora del programa de Televisa Hoy, Andrea Legarreta como trending topic, todo se debía a unos comentarios que la conductora hizo en dicho programa el pasado martes 26, donde minimizaba el impacto del precio del dólar en el economía familiar, la conductora, junto con su co-anfitrión Raúl Araiza, dan una especie de explicación de la caída del peso mexicano frente a la moneda de E.U.A., por lo que me sentí obligado a ver el clip, ésta es mi opinión al respecto. 

Lo primero que me molesta de todo este asunto la forma en la que se trivializa el impacto y las causas del debilitamiento económico del peso frente al dólar, el aumento de casi dos pesos en el precio del dólar es denominado como "vaivenes", ambos locutores parecen estar anunciados productos de limpieza, como si se tratara de cualquier cosa, discuten temas sumamente complejos con una casualidad y en un límite de tiempo que es indignante. Araiza dice: "Así que, fíjense que, en Hoy, en esta sección de: Tips para tu economía familiar, les vamos a decir qué está pasando con la economía en el mundo y cómo nos impacta para entenderlo hermana mía." No sólo la sección dónde deciden discutir este tema tan complicado se llama Tips para la economía familiar, sino que ¡no dan un solo tip!, ni un consejo lastimero para cuidar la economía familiar, el nombre de la sección pareciera ser un excusa para dar este mensaje que se vería mejor de la voz de un mandatario oficial, ambos conductores balbucean entre excusas e ideas a medias, mientras voltean nerviosos hacia la cámara, para transmitir un mensaje de calma sobre el panorama económico mundial.

De esto creo que es importante analizar algunos aspectos, el primero: ¿Para quién va dirigido este mensaje de calma sobre la situación económica del país? Pues obviamente hacia su audiencia, que es en su mayoría gente de clase media baja y baja, las mujeres que hacen el aseo, las asistentes domésticas.

Segundo, ¿Porqué emitir este mensaje? A mí no se me ocurre otra cosa más que tranquilizar al famoso "pueblo", es un mensaje de calma para las masas, por medio de estos dos minutos se pretende decirle a la gente que la situación económica actual no va a tener repercusiones severas en su bolsillo, lo cual es sin dudas preocupante.

Tercero, ¿En realidad quién emite el mensaje? La conductora, después de un sinfín de memes que cuestionaban su conocimiento económico subió una breve defensa en twitter:

“A ver…Les platico que en un programa de televisión, los contenidos, menciones y secciones NO LOS ESCRIBIMOS los conductores… Y por lo tanto no todo son opiniones personales… Cualquier comentario escriban a la producción de @programa_hoy”.

Aquí básicamente dice que lo que dijo no lo dijo ella, que ellos (los conductores) sólo dicen lo que escriben los guionistas y la producción y que cualquier bronca la vieran con la producción del programa Hoy. Esto es sumamente interesante ya que en primer lugar, la conversación empieza cómo si se tratase de una opinión personal: "Oigan, éste principio de año varios conocidos se acercaron a comentarme su preocupación por lo que está pasando con el precio del dólar." El inicio de ésta oración da a entender de que en realidad se trata de una opinión personal y no de un mensaje de la producción. Pero lo más alarmante es que Andrea Legarreta da a entender por medio de su defensa en twitter que fue la producción quien quería que dijera eso, y la pregunta que surge es ¿Porqué? ¿Porqué el programa Hoy se pondría a discutir temas de macroeconomía cuando es bien sabido que principalmente se dedica a discutir las telenovelas del día anterior? ¿Porqué la producción querría emitir éste "mensaje de calma" sobre la situación económica actual, y porqué lo hacen los conductores y no uno o un grupo de expertos cómo la lógica dicta? El mensaje tiene una connotación abiertamente política, ya que encaja a la perfección con un spot publicitario, esto se vuelve aún más evidente cuando Andrea Legarreta dice lo siguiente: "Claro, entonces, ustedes se dieron cuenta que el año pasado disminuyeron los precios de algunos bienes y servicios de uso diario, como por ejemplo: el teléfono, la electricidad y la gasolina." Esta es una clara alusión a las reformas que ha llevado acabo el Presidente Enrique Peña Nieto, por lo que por un lado tratan de disminuir el impacto del precio del dólar y por el otro glorifican los resultados de dichas reformas (cuyos efectos apenas empiezan a reflejarse y que para muchos, incluyéndome, es un caso de "muy poco, muy tarde"). Ahora bien, en base a su contenido, creo que queda más que claro que los comentarios tanto de Araiza (quien sorprendentemente no ha recibido la misma cantidad de críticas que su co-anfitriona, a pesar de haber hecho comentarios igual de vergonzosos) como de Legarreta no son parte estructural del programa, sino que fueron publicidad política disfrazada de comentarios en un programa de variedad. Lo que para muchos parece confirmar que la producción sirvió un interés distinto al del entretenimiento, el de mejorar la imagen pública del Gobierno, principalmente el federal, y es poco probable qué la producción reciba algún tipo de sanción, pues parece estar en medio de una laguna legal. Esto es preocupante ya que no se trata de un incidente aislado, esa laguna ha sido explotada en contadas ocasiones, como los polémicos tuits del Piojo Herrera el 7 de Junio del año pasado cuando coincidió un partido de la selección mexicana con la jornada electoral, o los varios comerciales que hizo para promover Chiapas (en ese momento y actualmente gobernado por el Partido Verde).

De esta forma parece haber una extraña conexión entre la publicidad y la política en México, además ¿Quién nos asegura qué esto no termina allí, qué el resto de la programación no sirve intereses distintos que los de entretener? por lo que considero debería de modificarse la legislación para prevenir que éste tipo de situaciones vuelvan a repetirse, o que se exprese cuándo algo es parte de publicidad o propaganda política y cuando se trata del verdadero contenido del programa, ésto debido principalmente al impacto que puede llegar a tener la publicidad, en especial cuando viene de parte de una de las (dos) principales cadenas de televisión de nuestro país.

Y como siempre, si les gusta lo que leen, no olviden suscribirse, darle like a la página de facebook y también pueden seguirme por twitter en @isaiaslemus.

MAKING A MURDERER -RESEÑA-

He de confesar que la serie documental de Netflix Making a Murderer no llamó mi atención cuando fue estrenada el pasado mes de diciembre, la imagen promocional que mezclaba los rostros de Steven A. Avery cuando era niño y de adulto no despertaba mi interés y creí que se trataba de un documental amarillista o sensacionalista. Pero después Peter Jackson publicó una especie de reflexión sobre la serie y las reseñas generalmente positivas (al día de hoy cuenta con 97% en el sitio Rotten Tomatoes) me inclinaron a darle una oportunidad, después del primer episodio estaba enganchado, y terminé de ver la serie en cinco días (cosa que casi nunca hago).

La serie documental sigue a Steven A. Avery, un hombre que creció en el condado de Manitowoc, Wisconsin, quien fue condenado por violación en 1985, pero después es liberado 18 años después gracias a la prueba de ADN que demuestra que Avery no había sido el culpable. La serie se centra en lo que sucede después de su liberación, y se desarrolla como un thriller legal y un misterio, y termina exponiendo una serie de fallas elementales en el sistema penal de los Estados Unidos de América.

Las 10 horas de duración de la serie son unas de las más cautivantes que he presenciado en televisión mientras vemos a Steven A. Avery enfrentando un nuevo juicio y la búsqueda por la verdad dentro del mimo; y durante todo este tiempo queda una duda en la mente de la audiencia: La policía ya mandó una vez a un hombre inocente a la cárcel ¿lo volverá a hacer?

Este es un programa que de ponerle una etiqueta seria la de "Conciencia social", la serie nos demuestra esta serie de crecientes injusticias y nos pide que por lo menos sintamos algo, expone una serie de fallas en el sistema penal de los Estados Unidos que una vez que han sido presenciadas son difíciles de ignorar.

Uno de mis aspectos favoritos de la serie documental es que mantiene un punto de vista relativamente objetivo (aunque suene irónico) se atreve a no martirizar a Avery, nos muestra cómo siempre tuvo roces con la ley, y cómo distaba de ser un ciudadano ejemplar. También expone como la gente con una educación inferior son "presa fácil" de las autoridades incompetentes o que no está interesadas en buscar la verdad, sino en encontrar un culpable.

Por otra parte, es también la historia de unos hombres que cometieron una serie de errores hace mucho tiempo, y cómo nunca hicieron nada para remediarlo, el pasado juega un papel importantísimo en este documental, hay acciones aparentemente irrevelantes con serias consecuencias a futuro, gente que cometió una mala decisión y las siguió cometiendo por el resto de su vida.

Otro de los aspectos fuertes del documental es la forma en la que está estructurado, pues claramente está construido como una serie, muchos de los capítulos terminan en un cliffhanger, y no sigue un orden cronológico exacto, muchas veces el capítulo terminará en una parte y el siguiente capítulo iniciará con la introducción de un nuevo personaje o una nueva situación.

La fotografía también está muy bien pensada, con el taller de los Avery tomando el escenario principal, hay un sinfín de tomas de los carros rotos que ahí se encuentran y como van cambiando con el paso de las estaciones y eventualmente de los años. La música de Gustavo Santaolalla y Kevin Kiner por su parte añade un toque de tragedia y melancolía a éstas imágenes. 

En muchas ocasiones la serie es más emocionante y tiene más suspenso que muchos thrillers de ficción, para los últimos episodios estaba al borde de mi asiento mientras decisiones importantes eran tomadas, pues las vidas de personas reales estaban en juego.

Por su parte es un deleite ver a los abogados defender el caso de Steven A. Avery, Dean Strang y Jerome Buting son como una pareja dispareja, Strang es metódico y calmado, generalmente preocupado por la justicia (y basándome en sus argumentos claramente se ve que estudió a Sócrates en la universidad), por su parte Buting es más agresivo en sus declaraciones, es seco y ácido. Lo bueno es que ambos son excelentes abogados y llevan a cabo una tare monumental, sus alegatos son elocuentes y sus argumentos están claramente diseñados en base a silogismos.

A pesar de todo esto, no fueron pocas las ocasiones en las que sentí enojo al ver el caso de Steven A. Avery en pantalla, pero enojo no fue la única emoción que sentí, hay momentos de confusión, frustración, duda e impotencia, personas que actúan en contra de todo sentido común y decisiones cuestionables.

A final de cuentas la serie nos demuestra como haber nacido en el lugar equivocado, ser miembro de la familia equivocada, las apariencias o la falta de cultura y dinero pueden ser puntos definitivos entre un antecedente penal y ser considerado inocente. La presunción de inocencia aquí no existe, los medios de comunicación son tantos y están tan obsesionados en presentar cada detalle que para el momento en que llega el día del juicio la gente ya está bien decidida si el inculpado es o no culpable. Pero hay algo que se vuelve evidente mientras los créditos del último capítulo pasan: La justicia humana no es perfecta, sin embargo parece haber mucho más que hacer para lograr una mejor justicia, en especial cuando hay vidas en juego.

Sin embargo, esto no es exclusivo de Estados Unidos, en México hay un sinfín de casos similares  e inclusive drásticamente más alarmantes como aquel expuesto en el documental Presunto Culpable (similar en temática), o el de la Sra. Esperanza Reyes Aguillón quien por pagar con un billete falso de 100 pesos terminó pasando 2 años en prisión cuando ella desconocía que el billete era falso y debido a su escasa educación y pocos recursos económicos no pudo pagar a un abogado para que la defendiera y el que le tocó de oficio ni siquiera presentó pruebas (que las había) para demostrar su inocencia, estos casos son igual de preocupantes e indignantes que el de Steven A. Avery por lo que no hay que olvidarnos de ellos. Creo que al punto al que quiero llegar es que la justicia es una cosa frágil y que rara vez podemos obtener en este mundo imperfecto, por eso deberíamos luchar por cada acto de "pequeña justicia" que podamos lograr, quizá hoy no, ni mañana, pero algún día alguien lo agradecerá.

Y como siempre si les gusta lo que leen no olviden suscribirse, también pueden seguirme por twitter en @isaiaslemus.

Título original: Making a Murderer.

Directores: Moira Demos, Laura Ricciardi.

Guión: Moira Demos, Laura Ricciardi.

Elenco: Steven A. Avery, Laura Nirider, et al.

Género: Serie documental.

EL RENACIDO -RESEÑA-

La película inicia con un impactante ataque de unos indígenas arikaras sobre unos hombres que habían sido enviados por una compañía para conseguir pieles. La escena es sorprendente con múltiples tomas ininterrumpidas que muchos llamarían virtuosas si se tratase de cualquier otra película (o de cualquier otro director), se puede sentir el sudor en el rostro de los hombres, el lodo en el piso, el humo de los mosquetes y las pistolas al disparar, las flechas surcan el cielo, y los hombres gritan de agonía, es una batalla por sobrevivir. Casi siempre es una buena señal cuando una película inicia con una secuencia tan ambiciosa, tan bien orquestada, y es bueno que el resto de la película mantiene el mismo nivel de inspiración.

Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) es uno de los hombres de dicha expedición, es quien mejor conoce esas tierras y después de que todo sale mal es quien tiene la mejor ruta de regreso, tiene un hijo mestizo llamado Hawk y sueña constantemente con su pasado. Pero cuando es atacado por un oso (en una sola toma ininterrumpida que es escalofriante) y debido a la creciente dificultad para transportarlo es dejado al resguardo de su hijo Hawk (Forrest Goodluck), un hombre llamado Fitzgerald (Tom Hardy) y un joven conocido como Bridger (Will Poulter), sin embargo, Fitzgerald mata a Hawk y deja Glass por muerto, desde ahí Glass inicia un camino en busca de venganza.

La más reciente película de Alejandro G. Iñárritu es un gran logro, una película llena de una impactante belleza y salvajismo, la cinematografía por parte de Emmanuel Lubezki es una maravilla que simplemente debe verse para creerse, Lubezki e Iñárritu le sacan todo el jugo a los hermosos paisajes naturales y el hecho de que se haya utilizada únicamente (o en su mayoría) iluminación natural vuelve todo mucho más increíble. Se puede apreciar cada textura de la nieve que cae en una búsqueda nocturna iluminada tenuamente por las antorchas de unos cuantos hombres. La cámara surca a través de las nubes y hacia el sol naciente en una imagen que a falta de una palabra mejor puede únicamente ser descrita como "majestuosa", y la lista sigue y sigue.

La trama es sencilla más no simple ya que a primera vista parece una simple historia de venganza, sin embargo tiene connotaciones considerablemente más complicadas y ambiciosas, con varias tramas de venganza, propiedad, así como el lugar del hombre en el mundo y la reencarnación (no por nada se titula El Renacido). El nivel de atención puesto en cada detalle y la insistencia de Iñárritu por filmar en locación (en lugar de un set) tiene una razón de ser pues la naturaleza juega un papel muy importante en toda la película, cada cuadro parece entender esto, las tomas crecen y se entierran como las raíces de un árbol, El Renacido logra capturar la esencia de aquella época, ya que muchas veces es más sencillo introducir elementos del mundo moderno en las películas de época ya sea en las opiniones o puntos de vista de los personajes para volverlos más identificables con la audiencia, Iñárritu junto con su coguionista Mark L. Smith astutamente evitan esto produciendo un reflejo de una vida pasada de una manera increíblemente fidedigna, el resultado es una atmósfera que atrapa al espectador desde los primeros minutos, no recuerdo haber visto una película tan concentrada en la naturaleza desde The New World de Terrence Malick.

Sin embargo, y al igual como hizo el año pasado con Birdman, Iñárritu centra muchos de sus esfuerzos en crear un mundo que se sienta lo más real posible para llenarlo de imágenes surreales y escenas oníricas, y el resultado es una especie de misticismo realista, una impresión de un mundo que ya no existe, hechos que bien pudieron nunca haber sucedido, como un sueño recordado a medias. Es una película contemplativa, con grandes y largas pausas, muchos directores centrarían sus esfuerzos en explotar las breves secuencias de acción, sin embargo Iñárritu las mantiene al mínimo, algunas de ellas terminan de forma abrupta y otras se interrumpen en varias ocasiones, múltiples secuencias que serían reservadas para el clímax aquí meramente ocurren sin ser glorificadas o exaltadas de alguna forma, pues el interés del director no está en la acción, y me atrevería a decir que ni siquiera en los personajes, sino en el mundo que tan meticulosamente construye y el papel del hombre en éste.

Las actuaciones de todo el elenco son sólidas, siendo DiCaprio y Hardy quienes destacan no sólo por que el enfoque está en ellos dos, sino porque cada uno entrega un excelente trabajo. La actuación de Dicaprio es valiente y arriesgada se mete por completo en el papel de Glass y la mayor parte de su actuación ni siquiera proviene del diálogo, sino de la forma en la que se conduce, la manera en la que reacciona frente a las diversas situaciones que su personaje enfrenta, el dolor en su rostro mientras se arrastra por su vida, o la resignación en sus ojos ante una decisión difícil, es una actuación muy física y prácticamente muda, y una de mis favoritas de uno de los mejores actores trabajando hoy en día. Afortunadamente Tom Hardy se encuentra a la altura de DiCaprio con una actuación igualmente valiente ya que no tiene miedo en ser despreciable, su personaje no busca la simpatía de los demás, por lo que Hardy no busca la de la audiencia, es un hombre roto, paranoico y violento, y su monólogo sobre Dios y su padre es uno de mis diálogos favoritos de toda la película. También me llevé una muy grata sorpresa al ver a Domhnall Gleeson en un papel importante como el Capitán Andrew Henry.

Aunque, si bien el final puede ser algo pretencioso no disminuye el valor o el impacto de la película que establece aún más a Alejandro G. Iñárritu como uno de los mejores directores de su generación, si esto fue lo que hizo después de haber hecho Birdman no puedo esperar por ver qué hace después.

Y como siempre si les gusta lo que leen no olviden suscribirse, también puede seguir por twitter en @isaiaslemus.

Título original: The Revenant.

Año: 2015.

Elenco: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnal Gleeson.

Guión: Alejandro G. Iñárritu, Mark L. Smith, basado en la novela de Michael Punke.

EL HOBBIT: TRILOGÍA EXTENDIDA -RESEÑA-

Siempre tuve opiniones mixtas con la trilogía del Hobbit, por una parte, siendo el fan de El Señor de Los Anillos que soy no pude evitar emocionarme con la oportunidad de regresar a el mundo de Tolkien llevado de forma tan elocuente y magnífica a la pantalla grande de la mano de Peter Jackson. Por otra parte, el critico dentro de mi no puede dejar de lado los múltiples errores e inconsistencias de la trilogía original, ya que si bien disfruté bastante del último capítulo, los primeros dos fueron más inconsistentes para mi gusto, algunos problemas con el balance del tono, con humor de pastelazo (perteneciente a una película de niños) y múltiples decapitaciones y violencia que aumentaba (No es que tenga nada en contra de la violencia en las películas ni el humor de pastelazo, sino que Peter Jackson nunca encontró el balance apropiado para que ambos funcionaran, excepto en el último capítulo, donde los chistes malos dieron paso a temas más serios, y se aproximaba más al escrito original de Tolkien).

Por otro lado, nunca me agradó la idea de dividir un libro considerablemente corto en tres películas, considero que dos hubieran sido suficientes, muchas escenas son de relleno, y muchos de los cambios considerables que se le hicieron a la historia original no fueron del todo acertados.

Es en base a estas razones que me aproximé con cierta cautela a la trilogía extendida del Hobbit, extender más una historia que ya había sido extendida más de lo razonable no parecía una buena decisión, sin embargo quería ver si éstas ediciones extendidas añadían algo de valor a la aventura de Bilbo Baggins y la compañía de Thorin Oakenshield.

Iniciaré por Un viaje inesperado, en mi opinión este el eslabón más débil de toda la trilogía, es la que contiene más escenas innecesarias, sin embargo es la que parece ser más consistente en su tono, ya que a todas luces es una película para niños (con humor de pedos y mocos desafortunadamente), pero mantiene ese mismo tono por toda su duración. La edición extendida que dura alrededor de tres horas , añade pocas cosas de valor al relato, me gustó poder ver algo más de la vida cotidiana de los hobbits (uno de mis aspectos favoritos del universo de Tolkien), sin embargo la edición extendida sólo añade un par de canciones más, y poca sustancia, o desarrollo de los personajes, lo cual parece un gravísimo error, teniendo en cuenta que de los 13 enanos de la compañía solo Thorin, Fili y Kili tienen una evolución considerable. Y también parece una oportunidad desperdiciada el no explicar porqué las águilas, uno de los puntos más controversiales de toda la saga de El Señor de los Anillos deciden ayudar a Bilbo y compañía, cosa que sí sucede en el libro, y dejar pasar por alto esa oportunidad es un gran desperdicio.

La Desolación de Smaug cambia considerablemente el tono, sólo basta ver la paleta de colores para darnos cuenta que se trata de un relato más "oscuro", sin embargo mantiene parte del humor infantil de Un Viaje Inesperado, lo que crea este tono inconsistente, si aunque bien disfruté de la segunda parte de la trilogía, nunca me gustó la adaptación de la parte de Mirkwood (ya saben aquella con las arañas gigantes) una de mis partes favoritas del libro, en la versión original se me hizo apresurada y meramente incidental, por lo que fue una agradable sorpresa ver que la versión extendida arreglara este problema, Mirkwood recibe el tratamiento que se merece en la versión extendida con múltiples tomas surrealistas y mucho más conflicto adentrándonos más en el verdadero sufrimiento y desesperación por el que pasaron los protagonistas en esa parte de su aventura, en otras palabras, la versión extendida logra capturar la esencia de esos capítulos. Desafortunadamente, eso es lo único que aporta la edición extendida de La Desolación de Smaug, todo lo demás no tiene sustancia, de hecho muchas de las adiciones son más chistes infantiles e inclusive uno que quedaría ad hoc en una película de Mike Myers, aquí es donde se nota que Peter Jackson no sabía hacia dónde quería dirigir su nueva trilogía, y eso es más notable en la versión extendida, el humor, la violencia y el tema no se sienten parte de una misma historia, sino un conjunto de ideas que fueron sacadas al azar, sin una meta fija.

Para concluir, La Batalla de los Cinco Ejércitos, el capítulo final de la trilogía es un caso completamente diferente. Cuando la película empezó a reproducirse en mi tele me llevé una sorpresa, la película era calsificación "R", esto significa para mayores de 17 años en Los Estados Unidos, esto me llamó la atención porque ninguna película del universo de Tolkien se había ganado esa clasificación, y cerca de la mitad del último capítulo de la saga vi porqué. La Batalla de los Cinco Ejércitos es la que sufre más cambios, contiene más escenas nuevas y es básicamente otra película. La mayoría de las adiciones son en la batalla titular, muchas de estas escenas me sorprendieron porque casi todas son inventivas y profundizan sobre los personajes, muchos de ellos sen más proactivos en la versión extendida de lo que fueron en la versión del cine. Hay más criaturas, trolls, y acción que en la versión original y la mayoría es bastante disfrutable. La versión extendida también corrige muchos de los problemas de edición que tenía la versión original, muchos cortes no tenían sentido, pero en la versión extendida sí. Pero a pesar de la violencia de la batalla seguía buscando la escena que le había acreditado la clasificación "R" (aunque al inicio Galadriel destruye a un orco, dudaba que esa fuera la escena en cuestión), eso cambio hasta que llegué a la escena llama como "La carroza de guerra" (The War Chariot). En la versión original Thorin decide ayudar a su primo Dain, y ve que la única forma de ganar la guerra es matando a Azoc, por lo que decide ir a la cima donde el orco pálido se encuentra, se monta en una cabra y llega a la cima, en la versión teatral esta escena no tenía mucho sentido porque nunca vemos de dónde salen las cabras ni cómo llegan a la cima, la versión extendida explica eso con la escena de  "La carroza de guerra", y es gracias a esta escena que la película obtiene su clasificación "R", ya que estos 5 minutos contienen más sangre y violencia que cualquiera de todas las seis películas de toda la saga. Ahora bien, déjenme dejar algo bien en claro, esta escena es genial, la fluidez de la cámara, y la forma en que está planeada y ejecutada es una maravilla de diseño de sonido y efectos especiales, es la mejor escena de acción de toda la trilogía de El Hobbit y es una de las mejores escenas de acción que Peter Jackson a puesto en escena, el problema es que ninguna otra escena, ni siquiera de la misma película llega a los mismos niveles de sangre y violencia, con esto no quiero asustar a nadie, no es que sea un continuo salpicar de sangre y ultra violencia, pero se siente completamente fuera de lugar de toda la trilogía, lo que lleva a fortalecer mi idea de que Peter Jackson no sabía en que dirección llevar a su trilogía, o quería probar que éstas no eran películas para niños o menores, sin embargo cada capítulo de la trilogía se siente distinto al otro, ya que como mencionaba al inicio la primera se siente como una película de niños con canciones, humor infantil y toda la cosa, la segunda quiere ser más madura, pero no abandona del todo el humor infantil, y la tercera, gracias a esta escena se vuelve ni siquiera apropiada para menores, por lo que la trilogía (a diferencia de El Señor de los Anillos) se siente incoherente, no se sienten parte de la misma visión.

Esto sin dudas se debe al cambio de director que hubo de "último minuto", ya que el tapatío Guillermo Del Toro iba a dirigir la adaptación e inicialmente iban a ser dos películas en lugar de tres, pero ya que la producción no arrancaba, Del Toro abandonó el proyecto, por lo que Peter Jackson tuvo que tomar las riendas del mismo, sin suficiente tiempo para prepararse (como él mismo ha dicho en entrevistas), y luego vino la decisión controver$$ial de hacer la adaptación en una trilogía por lo que estos cambios de tono no me sorprenden, desafortunadamente sí perjudican el disfrute final de la película, más si se pretenden ver de manera seguida (cómo hice con esta trilogía extendida).

De nueva cuenta, es el último capítulo de la trilogía extendida el que más he disfrutado, es creativo y épico, desafortunadamente se siente fuera de lugar con el resto de la trilogía. La trilogía extendida añade varias adiciones notables, en especial en el último capítulo, sin embargo, hay una falta de tono y coherencia (visual inclusive) entre cada una de las películas, lo que disminuye el aprecio de la trilogía como un todo, y la reduce al disfrute de escenas en particular.

Como siempre si les gusta lo que leen, no olviden suscribirse, también pueden seguirme por twitter en @isaiaslemus.

SUICIDE SQUAD TRAILER OFICIAL -IMPRESIONES-

Personalmente no me gusta mucho analizar los trailers de las películas, pero al terminar de ver el primer trailer oficial de la película de Warner Suicide Squad se me ocurrió poder compartir mis impresiones en lugar de analizar cada segundo del avance.

En primer lugar, se ve que la película dirigida por David Ayer (Fury, Emd of Watch) tiene potencial, el tono se ve oscuro, y lleno de humor negro, el elenco es impresionante, con actores como Will Smith, Margot Robbie, Jared Letto y Viola Davies, desafortunadamente Tom Hardy tuvo que dejar el papel de Rick Flag para participar en The Revenant de Alejandro González Iñárritu (¿Quien puede culparlo?).

De momento, y basado únicamente en lo que hemos podido ver de los avances, parece ser que David Ayer no ha sacrificado la esencia de los personajes, recordemos que todos los protagonistas son villanos, por lo que parece tentador mostrarlos menos malos de lo que en realidad son para volverlos más identificables con la audiencia, pero afortunadamente ese no parece ser el caso.

Y quizá lo más brillante del trailer es la inclusión de Bohemian Rhapsody de Queen, cuya instrumentalización y ritmo caótico va a la perfección con las personalidades de los personajes.

Ahora bien, son demasiados personajes con los cuales la película tiene que lidiar, y muchos de ellos son desconocidos a la mayoría de la audiencia, pudiendo terminar en que algunos de los personajes no queden bien desarrollados ni explicados, pero claramente se ve que el enfoque va a estar en DeadShot, Harley Quinn, el Joker y Rick Flag (el líder del escuadrón).

También esta puede ser la oportunidad de que Jai Courtney demuestre que puede actuar, ya que sus últimos papeles han sido de lo menos inspirados, pero aquí parece estar comprometido con el material. Y quien probablemente se lleve el show será Margot Robbie, quien parece haber capturado el balance perfecto entre la locura, la inocencia y la sensualidad de Harley Quinn.

Mi único temor es el villano/amenaza que van a tener que combatir y que todavía no ha sido revelada, en el trailer se alcanza a apreciar una criatura humanoide de color negro quien parece ser el villano principal, esto no me agrada mucho porque parece contrastar con el realismo y seriedad del resto de la película.

Sin embargo, hay que recordar que ésto es sólo un avance y es injusto juzgar a una película en base al mismo, habiendo dicho eso, no puedo negar que este trailer me dejó mucho más emocionado por Suicide Squad, si la película o no cumple con su promesa habrá que descubrirlo en Agosto de este año.

Y a ustedes, ¿Cómo se les hizo el primer trailer oficial de Suicide Squad? háganse escuchar en los comentarios.

Y como siempre si les gusta lo que leen, no olviden suscribirse, también pueden seguirme por twitter en @isaiaslemus.

TIEMPOSTMODEERNOS RECOMIENDA: MASTER OF NONE

La serie creada por Aziz Ansari y Alan Yang sigue a Dev (interpretado por Ansari), un americano treintañero de ascendencia Hindú, quien se gana la vida en Nueva York como un actor de comerciales, y quizá en un futuro, de películas. Lo refrescante de Master of None es que inicia de una manera muy confiada, no tarda en encontrar su ritmo, y no teme jugar con algunos de los formatos básicos de las sitcom, por ejemplo, un episodio toma lugar en el lapso de 1 año, y funciona, también constantemente juega con las expectativas que se tienen sobre una serie como ésta.

La dirección en todos los episodios es sólida, incluso el mismo Ansari se colocó detrás de cámaras para dirigir un par de episodios, probando ser un director talentoso, con múltiples tomas ininterrumpidas.

Pero son el guión y el diálogo entre los personajes principales mi aspecto favorito del programa, Ansari, Yang y el resto de escritores logran tocar temas delicados de una manera natural, entretenida y que probablemente lleve a la reflexión; temas de raza y estereotipos son la fuente principal en el episodio Indians on tv, y el sexismo es el tema principal en el episodio Ladies and Gentleman, pero de nuevo, no es tanto el tema, sino su ejecución, todos estos temas interesantes podrían resultar contraproducentes, estériles y falsos si no se trataran con honestidad. Los créditos iniciales son elegantes y sencillos y la selección musical es bastante acertada.

También me gusta las yuxtaposiciones que se hacen en algunos episodios entre varias generaciones, la generación de los papás de Dev no cuestionaba mucho a sus padres y tuvo que trabajar mucho para llegar a dónde están, mientras que la de Dev no le puede ayudar si quiera con su Ipad, o también podemos ver más contrastantes ejemplos con el miedo al compromiso y a la toma de decisiones importantes (y probablemente definitivas) de las generaciones actuales, con las generaciones pasadas que hacían lo mismo sin pensar demasiado en ello, lo bueno es que Ansari y Yang son lo suficientemente inteligentes para respetar ambos puntos de vista y para mostrar que tanto jóvenes como grandes tienen sus razones para su comportamiento, tanto generacionales, como educativas, inclusive geográficas.

Las actuaciones también son bastante buenas, y los papás de Dev son una sorpresa, ya que son los padres de Ansari en la vida real, y terminan por entregar genuinas emociones en sus actuaciones, en especial el papá de Dev, quien es muchas veces hilarante.

Y por si fuera poco, la serie cambia su dinámica drásticamente a partir del episodio Nashville, uno de mis favoritos del año pasado (sin importar la categoría), el episodio es una maravilla desde la perfecta química entre Aziz Ansari y Nöel Wells, y la maravillosa cinematografía que logra un aura de surrealismo a la ciudad de Nashville. Ese episodio se siente como una mini película, tiene un arco completo y la narrativa es fenomenal.

Sin embargo, algunos episodios son un tanto inconsistentes, en especial Hot ticket que es uno de los mas convencionales en toda la temporada, y el final, aunque un tanto impredecible no me dejó del todo satisfecho.

En conclusión, es fácil ver porqué la gente comparaba a la reciente serie de Netflix con Louie de FX, ambas son series de "comedia", con tintes dramáticos situadas en Nueva York, y con dos personajes principales con crisis existenciales a la mitad de su vida. Afortunadamente mientras más episodios transcurrían Master of None logró diferenciarse lo suficiente del programa de FX, estableciendo su propio ritmo, con un estilo visual confidente, un guión inteligente y actuaciones honestas.

Y como siempre, si les gusta lo que leen, no olviden suscribirse, también pueden seguir por twitter en @isaiaslemus.